Após 85 anos de sucesso, Sonho de Valsa deixa de ser bombom e passa a ser “biscoito wafer”

Poucos produtos conseguem atravessar o tempo com tanta força emocional quanto o Sonho de Valsa. Criado em 1938, o icônico doce rosado tornou-se parte da memória afetiva dos brasileiros: presente em aniversários, encontros românticos, bares, escritórios, cestas de café da manhã e até em declarações de amor improvisadas. Por isso, quando veio à tona que — após 85 anos — o Sonho de Valsa deixou oficialmente de ser classificado como “bombom” para se tornar, fiscalmente, um “biscoito wafer”, a notícia surpreendeu consumidores e reacendeu debates sobre tradição, legislação e mercado.

A alteração, apesar de curiosa para o público, não tem relação com a receita do produto nem com mudanças em seu sabor ou formato. O Sonho de Valsa continua exatamente o mesmo: casquinha crocante de wafer, recheio cremoso de castanha-de-caju e amendoim, envolto em chocolate. O que mudou foi o enquadramento tributário — algo que, embora invisível ao consumidor, impacta diretamente o setor alimentício.

Segundo especialistas, a nova classificação surgiu após revisões dos critérios fiscais que determinam a natureza dos produtos industrializados. Como o Sonho de Valsa possui estrutura predominantemente de wafer e recheio, e não massa compacta de chocolate, a interpretação técnica passou a enquadrá-lo como “biscoito wafer coberto com chocolate”. Essa definição o distancia, no papel, de bombons clássicos, tradicionalmente caracterizados por massas sólidas ou recheios encapsulados por chocolate puro.

Para a maioria das pessoas, pode parecer apenas uma mudança burocrática. Mas no universo empresarial, o enquadramento fiscal define impostos, regulamentações e até estratégias comerciais. Trata-se, portanto, de uma mudança significativa na composição legal de um dos doces mais famosos do país.

Tradição, impacto comercial e a força de uma marca eterna

Embora o termo “biscoito wafer” cause estranhamento ao consumidor que cresceu chamando Sonho de Valsa de bombom, a empresa destaca que o novo enquadramento não altera sua produção nem a forma como o produto é vendido e comunicado. Na embalagem, por exemplo, nada muda: o nome continua estampado com o mesmo visual romântico que atravessa gerações.

Especialistas em marketing afirmam que a força do Sonho de Valsa está tão enraizada no imaginário popular que a classificação oficial pouco interfere na percepção do público. Para o consumidor, Sonho de Valsa sempre será “o bombom rosa”, símbolo de afeto e carinho. É a prova de que marcas icônicas ultrapassam rótulos técnicos e tornam-se universais.

Por outro lado, analistas tributários apontam que mudanças assim, embora discretas, podem influenciar movimentações do setor alimentício. Marcas concorrentes podem buscar readequações, novos produtos podem surgir seguindo lógicas semelhantes e até discussões regulatórias podem ganhar fôlego. O episódio, portanto, vai além do Sonho de Valsa: ele exemplifica como a indústria de alimentos está em constante transformação, mesmo nos produtos mais tradicionais.

A história também reforça o quanto o mercado brasileiro é complexo e versátil. Produtos que fazem parte da cultura do país — como pão francês, brigadeiro ou o próprio Sonho de Valsa — vivem o desafio de conciliar tradição popular com regulamentações técnicas que evoluem ao longo do tempo. Por essa ótica, a nova classificação não diminui o legado do doce: ao contrário, mostra sua capacidade de se adaptar e permanecer relevante mesmo diante de mudanças burocráticas.

Apesar do impacto inicial da notícia, o consumidor pode ficar tranquilo: o sabor continua o mesmo. Sonho de Valsa segue sendo aquele doce especial que acompanha momentos importantes da vida. Mudou o rótulo fiscal, mas não mudou o carinho que o Brasil tem por ele. Afinal, poucos produtos conseguem atravessar décadas com tanta doçura — seja como bombom, seja como wafer, Sonho de Valsa permanece sendo um verdadeiro clássico nacional.

A Queda de um Gigante: Por que o Varejista Paes Mendonça Foi à Falência

Durante décadas, o nome Paes Mendonça foi sinônimo de grandeza no varejo brasileiro. Uma marca forte, presente em vários estados, que ajudou a moldar o conceito moderno de supermercado no país — especialmente no Nordeste. Mas, como muitos impérios erguidos sobre crescimento veloz e estruturas frágeis, o gigante caiu. E sua queda foi tão estrondosa quanto sua ascensão.

Fundado por Mamede Paes Mendonça, um empreendedor sergipano que vislumbrou, ainda nos anos 1950, o potencial do autosserviço, o grupo rapidamente se tornou pioneiro. A inovação das lojas amplas, com prateleiras acessíveis ao consumidor, mudou o jeito de comprar em Salvador, Aracaju e, mais tarde, em diversas capitais brasileiras.

O sucesso foi imediato. No auge, a rede chegou a operar mais de 150 lojas, distribuídas pelo Norte, Nordeste, Sudeste e Centro-Oeste, tornando-se uma das maiores do país. Entretanto, o modelo de crescimento acelerado começaria a mostrar rachaduras ainda nos anos 1990.

A expansão desenfreada exigia investimentos altos, logística robusta e grande capacidade de gestão — pontos que a empresa não conseguiu sustentar. Ao mesmo tempo, o mercado brasileiro começava a sofrer transformações profundas: chegada de novos players, profissionalização do setor, aumento da concorrência e a necessidade de processos cada vez mais eficientes.

Foi nesse cenário que o Paes Mendonça começou a tropeçar.

A crise se instalou de forma silenciosa. Primeiro vieram os sinais nos bastidores: atrasos a fornecedores, problemas de abastecimento e queda na atratividade das lojas. Depois, a situação se escancarou. A empresa acumulava dívidas de proporções gigantescas: débitos fiscais superiores a R$ 70 milhões, pendências trabalhistas e uma série de compromissos financeiros que ultrapassavam o valor do seu próprio patrimônio. Falta de capital de giro passou a ser rotina.

A instabilidade financeira era agravada por problemas de gestão e conflitos internos, especialmente disputas familiares sobre o rumo da companhia. Decisões estratégicas mal calculadas — como investimentos em regiões que não retornaram o esperado e a dificuldade de modernizar processos — tornaram o cenário ainda mais crítico.

Sem fôlego para se reerguer, o grupo começou a negociar sua sobrevivência. Em 1999, veio o desfecho: a rede foi arrendada pelo Grupo Pão de Açúcar, que assumiu as operações, converteu as lojas para suas bandeiras e, na prática, selou o fim da marca Paes Mendonça no varejo.

A antiga gigante não desapareceu apenas como empresa — sumiu também como identidade. Suas lojas foram rebatizadas, seus funcionários redistribuídos e sua memória se tornou parte da história do varejo brasileiro.

Ainda assim, o legado permanece. Paes Mendonça introduziu modernidade a um mercado até então artesanal, formou profissionais, impulsionou o varejo no Nordeste e marcou gerações. Sua ascensão e queda servem como alerta para o setor: nenhum império comercial resiste a dívidas altas, gestão frágil e expansão desordenada.

Hoje, o nome Paes Mendonça vive na lembrança de quem caminhou por suas lojas e testemunhou uma época em que o supermercado era mais do que um lugar de compras — era um símbolo de progresso.

GRANDES CANÇÕES – “LET IT BE” A história por trás de um clássico eterno dos Beatles

Há músicas que atravessam décadas, culturas e gerações como se carregassem um poder quase espiritual. “Let It Be”, lançada pelos Beatles em 1970 mas gravada em 1969, é uma delas. A canção se tornou um símbolo de esperança, consolo e serenidade. Porém, por trás de sua aura quase religiosa, existe uma história profundamente pessoal — e surpreendentemente simples — vivida por Paul McCartney em um dos momentos mais conturbados de sua vida.

Em 1969, os Beatles já estavam perto do fim. Discussões constantes, desgaste criativo, pressões empresariais e diferenças de visão faziam com que cada sessão de gravação se tornasse um campo minado emocional. McCartney carregava grande parte do peso de tentar manter a banda unida, enquanto lidava, internamente, com ansiedade e frustração. Foi nesse contexto turbulento que surgiu um dos sonhos mais marcantes de sua vida.

Paul havia perdido sua mãe, Mary McCartney, quando ainda era adolescente. A ausência dela deixou cicatrizes profundas — e, de certa forma, moldou quem ele seria. Durante uma dessas noites difíceis, exausto pelas tensões dentro dos Beatles, Paul teve um sonho que mudaria tudo. Nele, sua mãe aparecia calma, serena, oferecendo conforto com poucas palavras. “Tudo ficará bem”, dizia ela. Não está claro se as palavras exatas “Let it be” foram pronunciadas, mas o sentido era o mesmo: solte, permita, deixe acontecer.

Ao acordar, McCartney sentiu uma paz súbita. Pegou o violão e começou a escrever a canção que se tornaria um dos maiores clássicos da música. É por isso que, ao contrário do que muitos pensam, a referência a “Mother Mary” na música não se refere à figura bíblica, mas à sua mãe — a inspiração emocional mais íntima de sua vida.

A transformação de um sonho em legado mundial

A gravação de “Let It Be” reuniu todas as tensões daquele fim de ciclo, mas também trouxe momentos de brilho musical. A canção ganhou versões diferentes — algumas com solos de guitarra de George Harrison mais suaves, outras mais vigorosas. Independentemente da mixagem, a essência sempre permaneceu: uma mensagem de consolo que parecia vir de um lugar além das brigas, do cansaço e da pressão.

Quando lançada, a música foi imediatamente interpretada como um hino espiritual. Igrejas passaram a tocá-la, cerimônias a adotá-la, e milhões de ouvintes encontraram nela um refúgio emocional. McCartney nunca se incomodou com esse lado religioso atribuído ao hit, mas sempre fez questão de ressaltar sua origem íntima e autobiográfica: “Era minha mãe falando comigo.”

Com o passar das décadas, “Let It Be” se consolidou como uma das obras mais poderosas dos Beatles. Tocada em momentos de celebração, de despedida, de resiliência e de recomeço, ela se tornou uma canção universal. É impossível ouvir seus primeiros acordes sem sentir um misto de calma e reflexão. É a música que abraça, acolhe e aconselha, mesmo sem dizer muito.

Paul McCartney, em diversas entrevistas, descreveu aquele sonho como uma espécie de presente inesperado — um encontro fugaz com a memória mais confortante de sua vida. E talvez seja justamente essa simplicidade emocional que faz “Let It Be” ser tão duradoura. Ela nasceu de um conselho materno, transformou-se em melodia e se espalhou pelo mundo como uma mensagem eterna:

“Quando estiver em tempos de dificuldade, deixe estar. As coisas se acertam.”

Um clássico que continua vivo, tocando milhões, e lembrando que, no fundo, todos nós buscamos — e às vezes encontramos — um pouco de paz.

A BANDA DOS ANOS 80 QUE ENCANTOU E CONTINUA ENCANTANDO GERAÇÕES: INFORMATION SOCIETY

Um som à frente do tempo

Quando o Information Society surgiu no começo dos anos 80, poucos imaginavam que aquele grupo de jovens apaixonados por tecnologia, sintetizadores e cultura pop futurista marcaria definitivamente a história da música eletrônica. Misturando synth-pop, techno, industrial e até pitadas de música clássica, o trio — formado originalmente por Kurt Harland, Paul Robb e Jim Cassidy — apresentou ao mundo uma sonoridade ousada, brilhante e extremamente moderna para a época.

A banda nasceu em Minneapolis, mas foi o mundo inteiro que a abraçou. Em plena era analógica, o Information Society se lançou em uma missão quase profética: provar que computadores, amostras digitais e batidas eletrônicas poderiam transmitir emoção tão bem quanto guitarras e baterias tradicionais. E conseguiram.

Com visual futurista, estética marcada por neon e referências constantes a ficção científica, o grupo se destacava não apenas pela música, mas por sua identidade. Eles foram pioneiros no uso de samples de filmes e séries, como Star Trek e Flash Gordon, incorporando essas falas como parte essencial de suas composições — algo revolucionário para a época e que décadas depois se tornaria comum em diversos estilos musicais.

O auge da fama: hits que atravessaram gerações

O álbum Information Society, lançado em 1988, elevou o grupo à categoria de fenômeno global. Canções como What’s On Your Mind (Pure Energy), Repetition e Walking Away dominaram rádios, pistas de dança e programas de TV. No Brasil, o sucesso foi ainda mais estrondoso.

Boa parte disso se deve ao impacto colossal que Running teve nas discotecas brasileiras dos anos 80 e 90. A música se tornou hino de pistas de dança, festas, danceterias e programas de televisão. Para muitos, Running é a essência da época — a trilha sonora de romances adolescentes, noites inesquecíveis e da energia vibrante daquele período.

A banda, aliás, sempre reconheceu o carinho especial do público brasileiro. O país abraçou o Information Society como poucas nações fizeram, transformando-os em ícones permanentes da cena dance-pop.

Um encontro entre tecnologia e emoção

O que fez o Information Society permanecer relevante por tanto tempo foi sua capacidade incomum de unir batidas dançantes com letras melancólicas, filosóficas ou românticas. O clima futurista de suas músicas nunca anulou a sensibilidade presente nas composições.

Canções como How Long, Think e Peace & Love, Inc. revelam um grupo capaz de mesclar diversão, crítica social e introspecção emocional, tudo embalado por bases eletrônicas que convidam o público tanto a dançar quanto a sentir.

Os anos 90, a pausa e a reinvenção

Após o enorme sucesso do final dos anos 80 e início dos 90, o Information Society passou por mudanças internas e desafios criativos. O mercado musical estava em transição, e outros estilos ganhavam força. A banda encontrou dificuldades para se adaptar às demandas da indústria e decidiu pausar suas atividades.

Mas como todo clássico que se recusa a morrer, o Information Society ressurgiu anos depois com força renovada. A partir dos anos 2000, retornaram gradualmente aos palcos, lançaram novos trabalhos e reencontraram fãs antigos — além de conquistar novos públicos curiosos por aquela estética oitentista que nunca deixou de ser cool.

Em 2007, Paul Robb e James Cassidy se reuniram oficialmente, e Kurt Harland voltou como vocalista principal nos anos seguintes. Desde então, o trio vem lançando álbuns com maturidade, mantendo sua essência, mas trazendo nuances atuais. É o caso de discos como Synthesizer (2007), _hello world (2014) e Orders of Magnitude (2016), que reafirmam a banda como referência no synth-pop moderno.

A conexão eterna com o Brasil

Poucas bandas internacionais têm uma história tão forte com o Brasil quanto o Information Society. Sempre recebidos com enorme entusiasmo, seus shows por aqui se transformam em verdadeiras celebrações nostálgicas, repletas de energia e emoção.

O público brasileiro canta cada música como se fosse um hino. E para a banda, essa devoção nunca passou despercebida. Kurt Harland já afirmou diversas vezes que o Brasil tem um dos públicos mais calorosos e fiéis do mundo — algo que reforça o laço afetivo criado há mais de três décadas.

Por que o Information Society ainda encanta?

Mesmo em uma era dominada por algoritmos, streamings e músicas instantâneas, o Information Society continua sendo lembrado, ouvido e celebrado. E a razão é simples: suas músicas carregam sentimentos universais.

Há nostalgia, alegria, romance, curiosidade tecnológica e um toque de rebeldia futurista que parece sempre atual. Para quem viveu os anos 80 e 90, ouvir Information Society é voltar no tempo. Para quem os descobre hoje, é encontrar uma sonoridade fresca, dançante e surpreendentemente moderna.

Um legado que permanece puro “ENERGY”

O Information Society não foi apenas uma banda da moda — foi um marco cultural. Suas músicas moldaram a estética eletrônica moderna e provaram que tecnologia e emoção podem caminhar juntas.

Décadas depois de seu auge, eles continuam fazendo aquilo que sempre fizeram de melhor: unir gerações através do som. Do neon dos anos 80 ao brilho das telas digitais de hoje, o Information Society segue sendo um símbolo de inovação, criatividade e energia inesgotável.

E assim, entre sintetizadores vibrantes e vocais inesquecíveis, uma verdade permanece: o Information Society não é apenas uma banda. É uma experiência — e continua, para sempre, encantando corações ao redor do mundo.

RENÉ HIGUITA – O GOLEIRO QUE OBRIGOU A FIFA A MUDAR AS REGRAS

O Mito, o Estilo e a Revolução Invisível

Quando se fala em goleiros lendários, muitos pensam imediatamente em técnicos impecáveis, reflexos rápidos e postura séria. Mas René Higuita nunca coube nesse molde. O colombiano conhecido como El Loco foi mais do que um jogador excêntrico: ele se tornou um símbolo de ousadia, espetáculo e, acima de tudo, inovação dentro do futebol. Tão inovador que suas atitudes em campo levaram a FIFA a repensar o esporte e alterar definitivamente as regras do jogo.

Nascido em Medellín, em 1966, Higuita cresceu entre dificuldades, mas encontrou no futebol uma forma de expressão. E expressar-se era exatamente o que ele fazia melhor: não apenas defendia, mas também atacava, driblava, arriscava lançamentos, faltas e até pênaltis. Em um tempo em que goleiros eram treinados para ficar rigidamente dentro da área, Higuita se tornou praticamente um jogador de linha com luvas.

O mundo o conheceu em grande escala durante a Copa de 1990, quando a Colômbia viveu um dos momentos mais marcantes de sua história esportiva. Porém, foi justamente ali, na partida contra Camarões, que aconteceu o lance que mudaria tudo. Higuita, longe da área, tentou driblar Roger Milla. O atacante tomou-lhe a bola e marcou. A Colômbia foi eliminada, e o mundo inteiro assistiu, boquiaberto, ao goleiro que ousou demais.

Apesar da falha, ficou claro para a FIFA que algo precisava mudar. Naquele período, goleiros do mundo inteiro já estavam começando a abusar do tempo com a bola nos pés e retardar partidas, ainda que de forma muito menos espetacular do que Higuita. O estilo do colombiano escancarou esse problema num palco global.

A Regra, o Escorpião e o Legado

Dois anos depois, em 1992, a FIFA bateu o martelo: estava proibido para o goleiro pegar com as mãos uma bola recuada voluntariamente por um companheiro. A famosa “regra do recuo” nasceu muito pela necessidade de acelerar o jogo — e motivada, em grande parte, pelos riscos e ousadias de Higuita, que fazia da linha da grande área seu habitat natural.

Enquanto muitos criticavam, Higuita seguia em frente, transformando cada partida em espetáculo. Seu momento mais icônico viria em 1995, no estádio de Wembley, diante da Inglaterra. Uma bola alçada parecia fácil. Qualquer goleiro tradicional agarraria com segurança. Mas Higuita, nunca adepto do óbvio, saltou para trás e executou o célebre “Golpe do Escorpião” — talvez a defesa mais famosa da história do futebol. Não valia para nada. Era um amistoso. Mas ali estava condensada toda a essência do colombiano: coragem, improviso e irreverência.

Além de suas defesas inusitadas, Higuita marcou mais de 40 gols na carreira, algo raríssimo para goleiros. Ele abriu caminho para uma nova geração de arqueiros com habilidade nos pés, como Rogério Ceni, José Luis Chilavert, Victor Valdés, Neuer e Alisson — todos, de alguma forma, herdeiros da revolução silenciosa iniciada por El Loco.

Hoje, com o passar das décadas, a figura de René Higuita transcende sua posição. Ele não é apenas lembrado pelos lances espetaculares, mas como um personagem que obrigou o futebol, um esporte tão tradicional, a evoluir. Mudou regras, inspirou gerações e provou que genialidade e loucura às vezes caminham juntas.

René Higuita não foi apenas um goleiro. Foi uma ideia. Uma provocação viva. Um artista dentro das quatro linhas.

E artistas, como se sabe, sempre deixam sua marca — mesmo quando obrigam o mundo a mudar as regras.

ONDE ESTÁ PALOMA DUARTE?

A nova fase da atriz que atravessa gerações na TV brasileira

A atriz que voltou ao centro dos holofotes

Durante mais de três décadas, Paloma Duarte construiu uma carreira sólida na televisão brasileira, marcada por personagens complexas, sensíveis e profundamente humanas. Em 2025, a atriz volta a ser assunto — não por um papel específico, mas por um conjunto de movimentos que revelam uma fase de transformação pessoal e profissional.

Paloma acaba de encerrar as gravações da novela “Garota do Momento”, produção na qual viveu uma personagem decisiva e que a colocou novamente entre os nomes mais comentados da dramaturgia nacional. Com o fim do trabalho, ela optou por uma mudança marcante: abandonou os fios loiros usados durante a novela e voltou ao visual moreno, que rapidamente chamou atenção dos fãs e da imprensa .

A atriz tem mostrado mais frequência nas redes sociais — algo raro para ela — e algumas dessas aparições causaram grande repercussão. Uma de suas fotos mais comentadas, publicada de forma natural e descontraída, gerou uma onda de elogios e reafirmou sua presença forte diante do público .

Entre a vida pessoal, posicionamentos e polêmicas

Sempre reservada, Paloma surpreendeu ao falar recentemente sobre sua sexualidade, afirmando publicamente ser bissexual. Ela relatou que sempre viveu essa liberdade de forma natural, mas que costuma abordar o tema com cuidado, especialmente por estar em um relacionamento estável há muitos anos. Essa declaração, ao mesmo tempo espontânea e segura, mostrou uma Paloma consciente do impacto de sua voz pública .

Ao mesmo tempo, a atriz se envolveu em uma pequena polêmica nas redes sociais após responder de maneira direta — considerada por alguns como “seca” — a perguntas de seguidores. Isso gerou críticas, mas também abriu espaço para um debate sobre a expectativa de “doçura obrigatória” que muitas pessoas têm com figuras públicas. Paloma foi firme ao afirmar que não lida bem com carência emocional alheia e que prefere manter relações mais honestas e menos performáticas com o público .

Mais recentemente, ela também abordou temas como envelhecimento, criticando expectativas irreais impostas especialmente às mulheres. Ao afirmar que não pretende viver como se tivesse 20 anos aos 60, Paloma reforçou uma postura madura e inspiradora, que dialoga com temas atuais de autoestima e autenticidade .

Um novo ciclo na carreira

Com o fim de Garota do Momento, Paloma Duarte se encontra em um momento de transição. Ao encerrar as gravações, ela comentou sobre como a maternidade continua sendo um papel central em sua vida, mais forte até do que qualquer personagem em cena. Mesmo assim, deixou claro que está aberta a novos desafios, e sua mudança de visual parece simbolizar justamente isso: o começo de um novo ciclo criativo .

Apesar de algumas polêmicas pontuais, Paloma demonstra estar confortável com quem é — uma mulher que não se molda às expectativas externas, que fala sobre si com honestidade e que valoriza sua autonomia artística e pessoal. Essa postura tem sido, justamente, o que a torna tão interessante nesta fase.

Enquanto muitos especulam qual será seu próximo papel, a verdade é que Paloma vive um momento raro: não está desaparecida, tampouco afastada — está apenas vivendo, escolhendo seus passos com calma e fazendo da própria jornada sua melhor narrativa.

O público, como sempre, observa com carinho e curiosidade. E se há algo que a trajetória de Paloma Duarte já ensinou, é que ela sempre volta — com força — quando tem algo realmente relevante para contar.

O Nascimento de um Gênio do Humor

Jerry Lewis não foi apenas um comediante. Ele foi uma força criativa daquelas que aparecem raríssimas vezes na história do cinema. Com sua energia elétrica, expressões exageradas e timing cômico impecável, Lewis criou um estilo de humor que atravessou gerações, conquistando plateias pelo mundo e transformando-se em um dos maiores ícones da comédia moderna.

Nascido Joseph Levitch, em 1926, em uma família de artistas vaudeville, Jerry Lewis cresceu literalmente nos bastidores. O palco sempre foi seu habitat natural. Ainda jovem, começou a apresentar pequenos números cômicos, onde já surgiam as primeiras características de seu humor: o corpo elástico, as caras e bocas, a voz infantilizada e, sobretudo, a capacidade de transformar qualquer situação em caos hilariante.

Mas o verdadeiro salto de sua carreira aconteceu quando ele encontrou um parceiro improvável e genial: Dean Martin. A dupla Martin & Lewis se tornou uma explosão de sucesso nos anos 1940 e 50. Enquanto Martin era o galã elegante, com postura impecável e voz envolvente, Lewis era a tempestade cômica, um “menino travesso” adulto que se jogava no palco com liberdade total. Essa química perfeita levou os dois a se tornarem uma das maiores duplas cômicas da história americana.

A parceria abriu portas para o cinema, e logo Jerry Lewis brilhou em Hollywood com a mesma força com que incendiava as apresentações ao vivo. Seus filmes com Martin eram garantia de bilheteria, mas o melhor ainda estava por vir.

O Artista Completo e o Legado Imortal

Após o fim da dupla com Dean Martin, Jerry Lewis iniciou a fase mais fértil, ousada e inventiva de sua carreira: sua jornada como ator, roteirista, diretor e produtor. E foi justamente aí que ele se revelou um verdadeiro gênio criativo. Lewis não apenas atuava; ele reinventava o humor, experimentava técnicas, criava tendências e expandia os limites do cinema cômico.

Um marco absoluto foi “O Professor Aloprado” (1963), sua obra-prima. Lewis não só dirigiu o filme como interpretou dois personagens completamente diferentes: o tímido e atrapalhado Julius Kelp e o arrogante Buddy Love. A performance dupla revelou sua versatilidade e sua capacidade de dominar tanto o humor físico quanto a crítica social. O filme influenciou gerações de comediantes e cineastas, e até hoje é considerado uma aula de humor e direção.

Outro ponto marcante de sua carreira foi sua inovação tecnológica. Jerry Lewis foi pioneiro no uso do monitor de vídeo durante as filmagens, permitindo que o diretor visualizasse a cena imediatamente após gravá-la – algo revolucionário na época e que hoje é padrão na indústria cinematográfica.

Além do cinema, Lewis também ficou conhecido por seu trabalho humanitário. Seu tradicional “Teleton”, transmitido anualmente por décadas, arrecadou milhões para ajudar crianças com distrofia muscular, reforçando seu lado solidário e sua preocupação genuína com o próximo.

Mesmo com o passar dos anos, Jerry Lewis nunca deixou de ser relevante. Seus filmes continuaram sendo exibidos, estudados e admirados. Sua influência ecoou em artistas como Jim Carrey, Eddie Murphy, Robin Williams e tantos outros que beberam diretamente da fonte do humor físico, expressivo e espontâneo.

Jerry Lewis nos deixou em 2017, mas seu legado permanece vivo. Ele foi – e sempre será – o astro mais engraçado do cinema, um artista completo e uma mente brilhante que transformou a comédia em arte. Sua genialidade continua encantando quem o descobre pela primeira vez e emocionando quem cresceu com suas risadas inconfundíveis. Uma verdadeira lenda eterna da sétima arte.

Playcenter: O Parque que Marcou Gerações

Durante décadas, o Playcenter foi muito mais que um parque de diversões: foi um símbolo de São Paulo, um ponto de encontro de famílias, amigos, jovens e turistas que buscavam emoção, fantasia e lembranças inesquecíveis. Inaugurado em 27 de julho de 1973, na Zona Oeste da capital paulista, o parque transformou o imaginário de lazer no Brasil e tornou-se uma das marcas mais queridas do país.

Um sonho que virou referência

Idealizado pelo empresário Marcelo Gutglas, o Playcenter nasceu inspirado nos grandes parques internacionais, trazendo ao Brasil uma proposta moderna e ousada. Em uma época em que a cidade ainda engatinhava em opções de entretenimento, o parque apresentou atrações tecnológicas, cenários temáticos e brinquedos de grande porte – algo inédito até então.

Com o passar dos anos, o Playcenter consolidou-se como o maior parque fixo do Brasil, recebendo milhões de visitantes e tornando-se parte do repertório emocional de gerações inteiras.

As Atrações que Fizeram História

 Montanha Encantada

Uma das primeiras atrações e também uma das mais queridas. Com carrinhos que percorriam cenários mágicos, a Montanha Encantada conquistava principalmente as crianças, que saíam de lá com olhos brilhando.

 Turbo Drop

Para os corajosos, o torreão de queda livre era o ápice da adrenalina. Subir dezenas de metros para despencar em queda rápida se tornou um ritual para quem visitava o parque.

 A Fantasia do Trem Fantasma

Clássico absoluto, o Trem Fantasma oferecia sustos, risadas nervosas e aquela sensação deliciosa de medo divertido que só parques de diversões conseguem proporcionar.

 Looping Star

A montanha-russa mais famosa do Brasil. Seus loopings duplos e o vento no rosto marcaram o início de muitos apaixonados por adrenalina.

 Splash

Outra atração disputada. Os visitantes entravam no barco, subiam o trilho e… um mergulho com água para todos os lados. Saía encharcado, mas feliz.

 Playland Circus Show

Espetáculos com acrobatas, palhaços e artistas internacionais reforçavam o clima mágico que o parque queria transmitir.

Playcenter: O auge

Nos anos 80 e 90, o parque viveu seu período mais glorioso. Era comum ver excursões escolares chegando pela manhã, famílias lotando o parque aos fins de semana e longas filas para as atrações mais radicais. O Playcenter também criou eventos que se tornaram tradição, como:

Noites do Terror – que revolucionaram o entretenimento de horror no Brasil.

PlayAction, PlayVerão e grandes eventos musicais.

O parque também aparecia com frequência na mídia, em novelas, reportagens e programas de TV, consolidando seu status de fenômeno cultural.

O Fim de Uma Era

Em 2012, após quase 40 anos de história, o Playcenter fechou suas portas. A decisão foi atribuída a dificuldades operacionais, mudanças urbanas e à necessidade de um reposicionamento do grupo. O encerramento gerou comoção nacional: milhares de pessoas foram ao parque nos últimos dias, em clima de despedida.

Mas a marca não desapareceu. Hoje, o Playcenter Family, em formato indoor, mantém viva parte da essência do antigo parque em shoppings pelo país, provando que a memória e a paixão do público resistem ao tempo.

Legado eterno

O Playcenter não foi apenas um parque; foi um capítulo especial da vida de milhões de brasileiros. Quem viveu seus corredores, sentiu o frio na barriga na fila do Turbo Drop, molhou-se no Splash ou levou sustos na Noite do Terror guarda lembranças que jamais se apagam.

Uma história feita de alegria, inovação, barulho de brinquedos, gritos de emoção e sorrisos que ecoam até hoje na memória de São Paulo.

ERA – Divano: O Mistério por Trás da Música em um Idioma que Nunca Existiu

Quando o projeto musical ERA surgiu no final dos anos 1990, o mundo inteiro foi surpreendido por uma sonoridade que parecia vir de um tempo esquecido. Misturando elementos do canto gregoriano, música eletrônica, arranjos épicos e um forte apelo visual, o grupo idealizado pelo compositor francês Eric Lévi rapidamente se tornou um fenômeno global. Entre todas as faixas, nenhuma marcou tanto quanto “Divano”, um hit que atravessou gerações e se tornou símbolo da estética mística e espiritual da banda.

Mas o que muitos não sabem é que por trás da atmosfera envolvente de Divano existe um detalhe curioso: a música é cantada em um idioma que simplesmente não existe. E justamente esse “não idioma” ajudou a transformar a faixa em um marco da música contemporânea.

A ideia de ERA sempre foi unir o ancestral ao moderno, criando uma experiência que evocasse memórias e emoções universais. Em vez de usar uma língua concreta — como latim, italiano ou aramaico, estilos comuns em músicas com estética religiosa — Eric Lévi decidiu inventar sons vocais que soassem antigos, sagrados e misteriosos, mas que não tivessem significado literal. Assim nascia a “língua fictícia de ERA”, utilizada não apenas em Divano, mas em várias outras músicas do projeto.

A faixa se tornou imediatamente reconhecível pelos seus vocais etéreos, seu coro feminino marcante e pela construção sonora que provoca, ao mesmo tempo, calma e grandiosidade. A ausência de palavras reais abriu espaço para que cada ouvinte criasse sua própria interpretação — uma experiência mais emocional do que racional. Segundo Lévi, esse era exatamente o objetivo: tocar sentimentos profundos sem a barreira do idioma.

Musicalmente, Divano combina sintetizadores hipnóticos, percussões discretas e harmonias vocais que lembram cânticos medievais. O resultado é uma obra que parece ter sido tirada de um ritual ancestral, mas com produção moderna e envolvente. Esse contraste ajudou a definir a identidade de ERA e o colocou entre os grandes sucessos do início dos anos 2000, sendo usado em comerciais, aberturas de TV e trilhas sonoras em diversos países.

Além do aspecto musical, Divano se destacou também pelo seu apelo visual. O videoclipe, fiel ao estilo “épico-místico” do projeto, apresenta uma narrativa simbólica envolvendo guerreiros, luzes, sombras e elementos que lembram mitologias antigas. A estética reforça a sensação de que a música pertence a um mundo paralelo, antigo e ao mesmo tempo atemporal — um universo característico de ERA.

O fato de a faixa ser cantada em uma língua inexistente também colaborou para que ela fosse adotada por campanhas publicitárias e programas de TV que buscavam transmitir sensações de mistério, espiritualidade ou transcendência. A ausência de significado literal transformou Divano em uma espécie de “trilha universal”: ela poderia representar quase qualquer emoção profunda.

Esse tipo de escolha artística não era comum na época e ajudou ERA a se diferenciar de outros projetos musicais. Em vez de tentar recriar fielmente um canto religioso histórico, Eric Lévi preferiu criar algo totalmente novo, mas que evocasse essa atmosfera. É como se Divano fosse uma janela para um passado que nunca existiu — e talvez por isso seja tão fascinante.

Ao longo dos anos, a música continuou conquistando novas gerações graças à sua presença constante nas redes sociais, playlists de músicas relaxantes e vídeos temáticos. A estética cinematográfica da faixa fez com que ela se tornasse um clássico moderno, sempre redescoberto por novos ouvintes.

Hoje, mais de duas décadas após seu lançamento, Divano permanece como uma das obras mais icônicas do ERA, simbolizando toda a proposta do projeto: mistério, emoção, espiritualidade e beleza. Seu idioma fictício não limita — ao contrário, liberta a música para que ela pertença a todos os povos, culturas e momentos.

E talvez esse seja o verdadeiro segredo de Divano: ao não dizer nada, ela diz tudo.

A REVOLUÇÃO SUBMARINA: O PRIMEIRO CABO DE FIBRA ÓTICA QUE LIGOU OS CONTINENTES

Quando a luz cruzou o oceano

No final dos anos 1980, a humanidade marcou um dos passos mais importantes rumo ao mundo hiperconectado que conhecemos hoje. Até então, a comunicação intercontinental dependia de cabos coaxiais e sistemas de satélites, que funcionavam, mas apresentavam limitações claras: baixa capacidade de transmissão, maiores atrasos e custo elevado. A solução definitiva viria do avanço tecnológico que começava a despontar — a fibra ótica.

Foi assim que nasceu o TAT-8, o primeiro cabo submarino de fibra ótica a ligar oficialmente dois continentes: América do Norte e Europa. Instalado e ativado em 13 de dezembro de 1988, o TAT-8 atravessou o fundo do Atlântico e inaugurou uma nova era nas comunicações globais. Esse projeto icônico foi fruto da colaboração entre grandes potências tecnológicas e empresas de telecomunicações, incluindo AT&T, France Télécom e British Telecom.

Com cerca de 6 mil quilômetros de extensão, o TAT-8 utilizava pulsos de luz para transportar informações, tecnologia considerada revolucionária para a época. O impacto imediato foi gigantesco: aumento drástico na capacidade de chamadas internacionais, maior velocidade, mais qualidade e, principalmente, a abertura de portas para um mundo que caminhava em direção à internet pública.

Um marco silencioso que mudou tudo

É curioso que uma infraestrutura tão importante tenha sido instalada longe dos olhos do público. Navios especializados navegaram entre Nova Jersey, nos Estados Unidos, e Brest, na França, lançando cuidadosamente o cabo no fundo do mar. Durante o processo, engenheiros monitoravam cada trecho, garantindo que a fibra ótica — extremamente sensível — fosse protegida contra pressão, temperatura, erosão e até mordidas de animais marinhos.

O TAT-8 entrou em operação com capacidade inicial de 40 mil chamadas telefônicas simultâneas, um número extraordinário para a época. Para comparação, a tecnologia anterior não chegava perto dessa escala. Esse salto permitiu maior integração econômica, cultural e científica entre países, além de reduzir custos de comunicação internacional.

Mas seu impacto mais profundo estava apenas começando. O TAT-8 tornou-se a base para o crescimento explosivo da internet global nos anos 1990. Sem ele — e sem os inúmeros cabos submarinos que vieram depois — não existiriam videoconferências, streaming, redes sociais ou transações online como conhecemos. Hoje, mais de 95% de todo o tráfego mundial de dados passa por cabos submarinos, herdeiros diretos desse pioneiro.

Mais de três décadas depois, o primeiro feixe de luz transmitido nas profundezas do Atlântico continua iluminando nosso mundo digital. O TAT-8 foi mais que um cabo: foi o fio que costurou continentes e abriu caminho para a sociedade conectada do século XXI.

Transbrasil – Da Ascensão ao Colapso de uma das Companhias Aéreas Mais Icônicas do Brasil

 Dos Céus Catarinenses ao Brasil: A Origem como Sadia S.A. Transporte Aéreo

A história da Transbrasil começa em 1955, quando o empresário catarinense Omar Fontana, filho do fundador da empresa de alimentos Sadia, idealizou uma companhia aérea que atendesse o transporte de cargas e passageiros entre o Sul do país e os grandes centros. Assim surgia a Sadia S.A. Transporte Aéreo, inicialmente modesta, operando aeronaves Curtiss C-46 e Douglas DC-3, principalmente no transporte de produtos perecíveis da Sadia.

Com poucos anos de operação, a empresa expandiu suas rotas regionais e ganhou reputação pela pontualidade e pela filosofia de serviço próxima ao cliente, um dos valores mais fortes de Omar Fontana.

A Transformação em Transbrasil e o Crescimento Nacional

Em 1972, após sucessivos crescimentos e a necessidade de se apresentar como uma companhia de alcance nacional, a Sadia Transporte Aéreo dá lugar ao nome que marcaria gerações: Transbrasil Linhas Aéreas. A nova identidade refletia a ambição de ultrapassar fronteiras e se consolidar entre as grandes companhias brasileiras.

Foi nessa fase que a empresa passou por uma modernização significativa, incorporando aviões a jato como os Boeing 727 e Boeing 737, que se tornariam símbolos da companhia. Nos anos 80, vieram os icônicos Boeing 767, permitindo voos internacionais para destinos como Nova York, Miami e Buenos Aires.

A pintura colorida dos aviões, com a cauda pintada de forma vibrante simbolizando o pôr-do-sol ou o arco-íris, tornou-se uma das marcas mais queridas pelos passageiros. A Transbrasil também ficou conhecida por um atendimento atencioso e pela filosofia de voar “com coração”, lema que Omar Fontana repetia constantemente.

Inovações e Destaques

A Transbrasil acumulou conquistas notáveis:

Primeira companhia aérea brasileira a operar aeronaves Boeing 767, trazendo mais conforto e alcance operacional.

Implantação de tarifas sociais, uma tentativa pioneira de democratizar o transporte aéreo no Brasil.

Voos charter internacionais que se tornaram extremamente populares nos anos 80 e 90.

Treinamento rigoroso de tripulações, o que dava à empresa excelente reputação operacional.

Durante muito tempo, a Transbrasil era vista como a companhia que trazia “calor humano” em um setor competitivo e rígido.

Crise: O Início do Declínio

Apesar da paixão que envolvia a empresa, o fim dos anos 90 foi cruel para o setor aéreo brasileiro. A Transbrasil enfrentava:

Alta do dólar, que aumentava os custos de leasing e manutenção de aeronaves.

Concorrência agressiva de Varig, Vasp e TAM.

Dificuldades administrativas e dívidas acumuladas.

A morte de Omar Fontana em 2000, um golpe duro para a companhia, que perdeu seu principal líder.

Sem o mesmo comando firme e com uma crise financeira crescente, a companhia começou a ter dificuldades para manter sua frota, realizar manutenções e honrar compromissos com funcionários e fornecedores.

A Parada das Operações e a Queda Final

Em dezembro de 2001, a Transbrasil suspendeu suas operações. Em janeiro de 2002, a Justiça decretou sua falência, encerrando oficialmente uma trajetória de quase cinquenta anos de atuação no mercado aéreo brasileiro.

Os anos seguintes foram marcados por disputas judiciais, leilões e tentativas de recuperação que nunca se concretizaram. A frota foi desmontada, a sede abandonada e os hangares vendidos. Ficou apenas a memória.

O Legado da Transbrasil

Mesmo décadas após seu fim, a Transbrasil segue viva no imaginário dos brasileiros. Aeronaves coloridas, tripulações carismáticas e a coragem de inovar marcaram a aviação nacional.

Seu legado inclui:

Contribuição para a expansão da aviação comercial nos anos 70 e 80.

Democratização do transporte aéreo com tarifas populares.

Modernização da frota com aviões de última geração à época.

Uma identidade visual e emocional que permanece icônica.

A Transbrasil não foi apenas uma empresa aérea. Foi um símbolo de uma época em que voar significava glamour, cuidado, e principalmente, a sensação de que o Brasil podia alcançar horizontes maiores.

GP de Mônaco 1984 – Ayrton Senna desafia Niki Lauda nas ruas do principado

O Grande Prêmio de Mônaco de 1984 entrou para a história como o momento em que o mundo conheceu o talento extraordinário de Ayrton Senna. Era apenas sua sexta corrida na Fórmula 1, e o jovem brasileiro pilotava uma modesta Toleman, equipe sem grandes recursos, contra gigantes como McLaren, Ferrari e Renault. Do outro lado, estava o tricampeão Niki Lauda, símbolo da experiência e da frieza ao volante, guiando o poderoso carro da McLaren-TAG Porsche.

O dia amanheceu chuvoso no Principado. A pista molhada, estreita e traiçoeira prometia uma corrida caótica — e foi exatamente o que aconteceu. Enquanto os pilotos mais experientes escorregavam e abandonavam, Senna mostrou um domínio impressionante sob a chuva. Em cada volta, ele ultrapassava carros mais potentes com uma combinação rara de coragem e controle.

Lauda, sempre preciso, tentava manter o ritmo com sua McLaren, mas o brasileiro vinha voando baixo. O austríaco chegou a admitir depois que Senna estava guiando “como um homem de outro planeta”. Ayrton partiu para cima dos líderes, superando adversários de ponta como Keke Rosberg e Niki Lauda, e alcançou o francês Alain Prost, companheiro de Lauda, que liderava a prova.

Quando Senna estava prestes a ultrapassar Prost e assumir a liderança — uma façanha histórica —, o diretor de prova Jacky Ickx decidiu interromper a corrida por causa da chuva intensa. A decisão foi polêmica: muitos acreditam até hoje que Senna teria vencido se a bandeira vermelha tivesse demorado apenas mais uma volta.

Mesmo com o segundo lugar oficial, aquele dia marcou o nascimento de uma lenda. O jovem brasileiro, em um carro inferior, havia humilhado gigantes da Fórmula 1 e mostrado ao mundo que estava destinado à glória.

O GP de Mônaco de 1984 não foi apenas uma corrida: foi o primeiro capítulo da epopeia de Ayrton Senna, e também o dia em que Niki Lauda — o mestre — reconheceu o surgimento de seu sucessor natural.