“The Great Gig In The Sky: O grito imortal do Pink Floyd”

O som da alma em forma de música

Em 1973, o mundo foi presenteado com uma das obras mais icônicas da história do rock progressivo: “The Great Gig In The Sky”, uma das faixas mais emocionantes e transcendentes do álbum “The Dark Side of the Moon”, do Pink Floyd. A canção é um espetáculo de sensações — uma verdadeira viagem sonora que dispensa palavras para comunicar a intensidade da vida, da morte e do que há entre elas.

A faixa nasce de uma introdução suave e contemplativa, conduzida por acordes delicados de piano e sintetizadores que parecem convidar o ouvinte a mergulhar em um universo paralelo. A guitarra de David Gilmour entra com toques sutis, quase como uma respiração, preparando o terreno para o clímax da música: a explosão vocal que marcaria para sempre a história da banda.

A inspiração e o nascimento de um hino

Richard Wright, tecladista e compositor do Pink Floyd, foi o cérebro por trás da estrutura instrumental. Ele buscava criar algo que transmitisse o inevitável — a passagem do tempo e o medo da morte — temas centrais do álbum. A ideia era simples: uma peça que expressasse emoção pura, sem necessidade de palavras.

Para dar voz a essa emoção, a banda convidou a cantora Clare Torry, uma jovem vocalista britânica até então pouco conhecida. O pedido que recebeu no estúdio era incomum: “Cante como se sua voz fosse um instrumento. Imagine que está expressando algo além das palavras.”

O resultado foi um momento mágico. Clare improvisou durante a gravação, gritando, chorando e soltando notas que pareciam vir de um lugar profundo da alma humana. Sua performance foi tão poderosa que os próprios membros da banda ficaram em silêncio quando a sessão terminou. Assim nascia um dos momentos mais intensos e emocionais do rock mundial.

A voz que não precisa de tradução

Em “The Great Gig In The Sky”, não há versos, refrões ou rimas. Há apenas emoção pura. Clare Torry transforma sua voz em um instrumento que chora, suplica, explode e renasce — uma representação sonora do medo da morte e da beleza da vida.

Os gritos e gemidos que compõem a faixa não são aleatórios; eles seguem o crescendo instrumental com precisão, dando à música uma estrutura quase sinfônica. O ouvinte é levado de um estado de calma para uma catarse total, como se presenciasse uma jornada espiritual.

A genialidade da composição de Richard Wright está justamente nessa simplicidade: poucas notas, um ritmo sereno e uma construção sonora que abre espaço para o improvável — o poder absoluto da voz humana.

Entre o céu e o palco

Ao vivo, “The Great Gig In The Sky” tornou-se um dos momentos mais aguardados nos shows do Pink Floyd. Cada apresentação trazia uma nova intérprete, cada uma com sua própria forma de reviver o sentimento original de Clare Torry, mas nenhuma conseguia reproduzir exatamente o mesmo impacto.

A faixa se transformou em um tributo à efemeridade da existência — um lembrete de que tudo é passageiro, inclusive a vida. E, ainda assim, há beleza no fim.

O mais curioso é que, embora a canção pareça falar de morte, há nela uma luz. Wright uma vez declarou que a música não era sobre medo, mas sobre aceitação. É um convite para encarar o destino sem pavor, apenas com o entendimento de que o fim faz parte da jornada.

O legado eterno

Décadas depois, “The Great Gig In The Sky” continua sendo uma das obras mais reverenciadas do Pink Floyd. Seu poder emocional atravessa gerações e desafia estilos. Não é apenas uma faixa musical — é uma experiência espiritual.

A contribuição de Clare Torry, inicialmente não creditada como coautora, acabou reconhecida oficialmente anos depois, quando ficou evidente que sua interpretação havia dado vida à composição. Seu nome passou a figurar ao lado de Richard Wright como autora da música — uma justa homenagem à artista que transformou emoção em eternidade.

Um grito que ecoa no tempo

Poucas músicas conseguem tocar o coração de forma tão profunda e universal. “The Great Gig In The Sky” não precisa de tradução, pois fala diretamente à alma. É o som do medo, do amor, da dor e da transcendência — tudo condensado em pouco mais de quatro minutos.

Entre teclas suaves, acordes hipnóticos e uma voz que se eleva ao infinito, o Pink Floyd conseguiu capturar algo que vai além da arte: a própria essência do ser humano diante do desconhecido.

E é por isso que, meio século depois, esse “grande espetáculo no céu” continua a nos emocionar — lembrando que, mesmo quando as palavras falham, a música ainda pode dizer tudo.

Bryan Adams em Wembley – Uma Noite para Cantar com o Coração

Era 27 de julho de 1996. O lendário Estádio de Wembley, em Londres, estava completamente tomado. Mais de 70 mil pessoas formavam uma multidão vibrante, ansiosa para ver de perto o astro canadense Bryan Adams, que naquele ano rodava o mundo com sua eletrizante turnê “18 ‘Til I Die”. O público, de todas as idades, já sabia o que estava por vir: uma noite inesquecível de rock, emoção e nostalgia.

As luzes se apagaram, o som das guitarras tomou conta do ar, e o estádio inteiro vibrou. Bryan surgiu no palco com seu sorriso característico, guitarra em punho e aquela presença de palco que só os grandes artistas possuem. A primeira música mal terminara e já era possível sentir que Wembley viveria uma noite histórica.

Quando os primeiros acordes de “Heaven” ecoaram pelos alto-falantes, um arrepio percorreu a plateia. A multidão começou a cantar em uníssono, transformando o estádio em um imenso coral. Bryan parou por alguns segundos, sorriu, e deixou o público assumir o comando da canção. Foi um momento mágico — 70 mil vozes unidas, cantando com alma e coração, provando que a música tem o poder de conectar desconhecidos em uma só emoção.

“É impossível não cantar junto, não é mesmo?”, brincou Bryan, arrancando aplausos e gritos apaixonados. Aquela frase se tornaria símbolo daquela noite — a noite em que Wembley se rendeu completamente ao som de um artista que sabia tocar o coração de seu público.

O show seguiu em ritmo intenso. Canções como “Summer of ’69”, “Run to You”, “It’s Only Love”, “Cuts Like a Knife” e a poderosa “(Everything I Do) I Do It for You” levantaram o estádio. Cada faixa parecia trazer lembranças de uma época, de amores, de juventude. Era a trilha sonora de uma geração sendo revivida em pleno palco.

A turnê “18 ‘Til I Die”, que promovia o álbum lançado naquele mesmo ano, mostrava um Bryan Adams em plena forma. O título do disco — “18 Até Morrer” — traduzia perfeitamente o espírito do cantor: a ideia de que a juventude é um estado de alma, e não de idade.

Visualmente, o show era simples, direto e poderoso. Nada de efeitos exagerados — apenas luz, som e talento. O palco servia de extensão natural para Bryan e sua banda, que tocavam com energia e paixão. Cada acorde parecia dizer: “O rock ainda vive aqui.”

O encerramento foi apoteótico. Depois de mais de duas horas de apresentação, Bryan agradeceu o público, emocionado, e finalizou com “I Wanna Be Your Underwear”, arrancando risadas e aplausos. Wembley explodiu em gritos e aplausos. O cantor deixou o palco, mas a sensação era de que aquele momento ficaria gravado para sempre na memória coletiva dos fãs.

Aquela noite de 27 de julho de 1996 não foi apenas um show. Foi um encontro entre um ídolo e seu público, uma celebração da música, da juventude e da paixão que só Bryan Adams consegue despertar. Décadas depois, quem esteve em Wembley ainda se lembra daquele coro de “Heaven”, que ecoou forte e emocionado, como se dissesse ao mundo que, por algumas horas, todos ali tocaram o paraíso.

NIKI LAUDA — O HOMEM QUE DESAFIOU O IMPOSSÍVEL

Poucos nomes na história da Fórmula 1 representam tão bem a combinação entre coragem, genialidade e superação quanto o de Niki Lauda. O austríaco não foi apenas um grande piloto — foi um símbolo de determinação, inteligência e força de vontade, um homem que literalmente voltou da beira da morte para vencer novamente.

O Início de uma Lenda

Nascido em 22 de fevereiro de 1949, em Viena, Andreas Nikolaus Lauda cresceu em uma família abastada, mas enfrentou resistência dos pais quando decidiu seguir o caminho do automobilismo. Determinado, Niki ignorou as expectativas familiares e se endividou para correr, mostrando desde cedo que não mediria esforços para alcançar seu sonho.

Sua ascensão foi rápida: após se destacar nas categorias menores, Lauda conquistou espaço na Fórmula 1, assinando com a Ferrari em 1974. Ali começou uma das fases mais gloriosas da equipe italiana, impulsionada pela precisão técnica e pela frieza calculista do austríaco. Em 1975, veio o primeiro título mundial — e a confirmação de que um novo gênio havia chegado ao topo do automobilismo.

O Acidente que Mudou Tudo

Em 1º de agosto de 1976, no circuito de Nürburgring, na Alemanha, Lauda sofreu um dos acidentes mais chocantes da história da Fórmula 1. Seu carro pegou fogo após bater em alta velocidade, e o piloto ficou preso nas ferragens. Com graves queimaduras e intoxicação pela inalação de gases tóxicos, Lauda foi resgatado por outros pilotos e levado às pressas ao hospital.

Durante dias, o mundo acreditou que ele não sobreviveria. No entanto, em um dos maiores atos de coragem da história do esporte, Niki Lauda voltou às pistas apenas 42 dias depois, ainda com curativos no rosto e dor intensa. Aquela imagem — o capacete cobrindo as bandagens e o olhar firme — virou símbolo da resiliência humana.

A Rivalidade com James Hunt

O retorno de Lauda coincidiu com uma das rivalidades mais lendárias da F1: Niki Lauda x James Hunt. Enquanto o austríaco representava a disciplina e a precisão, o britânico simbolizava o carisma e o espírito livre. O duelo entre ambos marcou a temporada de 1976 e ficou eternizado no cinema com o filme Rush – No Limite da Emoção (2013).

Lauda perdeu aquele campeonato por apenas um ponto, após abandonar a última corrida sob forte chuva, priorizando a vida à glória. Sua decisão, longe de ser um ato de covardia, reforçou seu caráter racional e seu profundo respeito pelos limites do corpo e da máquina.

O Retorno Triunfal

Niki Lauda provou que sua determinação era inabalável. Em 1977, conquistou o bicampeonato mundial com a Ferrari e, após breve aposentadoria, retornou em 1982 para competir pela McLaren. Em 1984, sagrou-se tricampeão mundial, superando o companheiro de equipe Alain Prost por apenas meio ponto — o menor intervalo da história da Fórmula 1.

Além das Pistas

Depois de deixar definitivamente o volante, Lauda se tornou um brilhante empresário e dirigente. Fundou companhias aéreas — como a Lauda Air e a Niki — e desempenhou papéis estratégicos em equipes como Ferrari, Jaguar e Mercedes, sendo peça importante no sucesso da equipe de Lewis Hamilton décadas depois.

O Legado Imortal

Niki Lauda faleceu em 20 de maio de 2019, aos 70 anos, deixando um legado que ultrapassa o esporte. Sua história é uma aula de vida sobre coragem, resiliência e inteligência. Foi o piloto que enfrentou o fogo, desafiou a morte e voltou mais forte do que nunca.

Na Fórmula 1, títulos vão e vêm, recordes são quebrados, mas heróis como Niki Lauda permanecem eternos.

Rodovia dos Imigrantes: Um Desafio da Engenharia em Meio à Mata Atlântica

Entre curvas perfeitas, túneis monumentais e viadutos suspensos sobre o verde intenso da Mata Atlântica, nasce uma das mais impressionantes realizações da engenharia brasileira: a Rodovia dos Imigrantes (SP-160). Inaugurada em 1976, ela se tornou um símbolo de modernidade e ousadia, ligando a capital paulista ao litoral sul do estado com uma infraestrutura que desafiou montanhas, florestas e o tempo.

O Sonho de Uma Nova Ligação com o Litoral

Durante décadas, a Via Anchieta foi a principal rota entre São Paulo e o litoral, mas o crescimento industrial do ABC paulista e o aumento do turismo exigiam uma alternativa. Assim, nasceu o projeto da Rodovia dos Imigrantes, idealizado para desafogar o trânsito e oferecer um trajeto mais rápido, seguro e moderno.

Batizada em homenagem aos imigrantes que ajudaram a construir o estado de São Paulo, a nova rodovia representava não apenas um avanço logístico, mas também um tributo à história e ao esforço humano.

Desafios da Engenharia em Meio à Natureza

Construir uma rodovia através da Serra do Mar foi uma tarefa monumental. Os engenheiros precisaram enfrentar encostas íngremes, solos instáveis e chuvas intensas, além de respeitar um dos biomas mais ricos do planeta — a Mata Atlântica.

A solução foi apostar em uma engenharia de precisão: dezenas de viadutos elevados, permitindo que a pista “flutuasse” sobre a floresta, e túneis profundos, escavados com tecnologia de ponta para preservar o relevo e minimizar o impacto ambiental.

O trecho de serra se tornou uma verdadeira obra-prima, com curvas suaves e panorâmicas que oferecem ao motorista uma das vistas mais belas do país — uma descida mágica rumo ao mar.

Duas Pistas, Uma Obra Visionária

A rodovia foi planejada com duas pistas independentes, uma para subida e outra para descida, garantindo fluidez e segurança. A primeira pista, inaugurada em 1976, logo se mostrou insuficiente diante do crescimento do fluxo.

Assim, nos anos 2000, foi inaugurado o novo complexo da Imigrantes, com túneis e viadutos ainda mais modernos. Ao todo, a rodovia conta com cerca de 44 quilômetros, incluindo seis túneis e sete viadutos de grande porte — uma verdadeira escultura de concreto entre a cidade e o mar.

Sustentabilidade e Preservação

Desde sua construção, a Imigrantes tornou-se referência em engenharia sustentável. O projeto priorizou o mínimo impacto ambiental, e ainda hoje há monitoramento constante da fauna e flora, além de sistemas de drenagem e controle de erosão que ajudam a preservar o ecossistema da Serra do Mar.

A combinação de tecnologia, respeito à natureza e eficiência transformou a rodovia em exemplo de integração entre progresso e meio ambiente.

Um Patrimônio da Engenharia Brasileira

Mais do que uma estrada, a Rodovia dos Imigrantes é um símbolo da capacidade técnica e criativa do Brasil. Cada túnel, cada viaduto e cada curva contam uma história de superação, planejamento e respeito à natureza.

Hoje, ela continua sendo uma das vias mais importantes do estado, conectando milhões de paulistas ao litoral e mantendo viva a tradição de inovação que marcou sua construção.

FONTE:

Texto: Redação Revista Engenharia & História

Fotos: Acervo DERSA / Governo de São Paulo

Ano de Inauguração: 1976 – Ampliação em 2002

Cocktail – O Show Mais Ousado da TV Brasileira

No início dos anos 1990, a televisão brasileira vivia uma fase de ousadia e experimentação. As emissoras buscavam novas formas de prender o público em frente à telinha, misturando humor, sensualidade e diversão. Foi nesse cenário que surgiu “Cocktail”, um programa de variedades exibido pelo SBT entre 1991 e 1992, apresentado pelo carismático Luiz Carlos Miele. A atração se tornou rapidamente um marco da época, tanto pelo formato inusitado quanto pelo clima de festa que dominava o palco.

Inspirado em um programa italiano de mesmo nome, o “Cocktail” apostava em um conceito visualmente luxuoso: o cenário reproduzia o ambiente de um transatlântico, com luzes, música e figurinos que remetiam ao glamour das grandes viagens marítimas. O público era convidado a embarcar em um show semanal cheio de jogos, brincadeiras, entrevistas e, claro, muita sensualidade — uma fórmula ousada para os padrões da TV aberta da época.

As “Garotas Tim-Tim”: Beleza e Carisma no Palco

Um dos maiores atrativos do programa eram as famosas “Garotas-Estados”, também conhecidas como “Garotas Tim-Tim” — em referência ao espumante que patrocinava a atração. Cada modelo representava um estado brasileiro, trazendo um toque regional e um visual de desfile de beleza. Elas participavam de gincanas e quadros interativos, sempre com o bom humor característico de Miele.

Entre os momentos mais comentados estava o quadro “Estrela Iluminada”, no qual as modelos se despiriam gradualmente conforme avançavam nas brincadeiras. O conteúdo era leve e tratado com tom de jogo e descontração, mas não deixava de ser polêmico para o período — especialmente em uma TV aberta que ainda se adaptava a esse tipo de entretenimento noturno.

Apesar das críticas mais conservadoras, o programa conquistou um público fiel e gerou muita repercussão. O “Cocktail” misturava charme, humor e uma pitada de atrevimento, mantendo sempre o equilíbrio entre o picante e o elegante — uma marca de Miele, conhecido por sua elegância e improviso.

Miele, o Comandante do Transatlântico do SBT

Luiz Carlos Miele, já consagrado como apresentador, produtor e diretor, foi a alma do programa. Seu jeito espontâneo e sofisticado criava uma atmosfera de gala, fazendo o público se sentir parte daquela viagem televisiva. Com sua voz inconfundível e presença marcante, Miele conduzia o espetáculo com charme e naturalidade, fazendo jus ao título de um verdadeiro mestre de cerimônias.

Um Marco na História do Entretenimento Televisivo

“Cocktail” fez parte das comemorações dos 10 anos do SBT, um período em que Silvio Santos buscava modernizar a programação e oferecer formatos mais próximos das grandes produções europeias. Embora sua exibição tenha durado pouco — apenas entre 1991 e 1992 —, o impacto foi duradouro. O programa se tornou símbolo de uma época em que a TV ousava mais, apostava em formatos experimentais e desafiava os limites do que era considerado “adequado” para o horário nobre.

Hoje, “Cocktail” é lembrado com carinho por quem viveu os anos 90 e acompanhou aquela fase vibrante da televisão brasileira. Um tempo em que glamour, humor e ousadia se misturavam em um mesmo palco — e em que um simples brinde de “Tim-Tim!” significava muito mais do que uma taça erguida: representava o espírito leve e festivo de uma geração.

FONTE:

Texto: Redação Revista Nostalgia Brasileira

Fotos: Acervo SBT / Divulgação

Ano: 1991 – 1992

PASTELARIA BRASILEIRA – O SABOR QUE CONQUISTOU ATÉ O GUNS N’ ROSES

Uma tradição paulistana direto do coração da Pompeia

Localizada no charmoso bairro da Pompeia, em São Paulo, a Pastelaria Brasileira é daquelas casas que respiram história e tradição. Com décadas de dedicação e uma clientela fiel que atravessa gerações, o local se tornou uma verdadeira instituição gastronômica da região. O segredo? Pastéis feitos na hora, crocantes, dourados e recheados com ingredientes frescos — um verdadeiro patrimônio do sabor brasileiro.

Fundada por uma família apaixonada pela culinária popular, a pastelaria mantém até hoje o ritual artesanal de preparar cada pastel com cuidado e afeto. A massa é aberta na hora, o recheio é farto e os temperos são sempre equilibrados. No cardápio, os clássicos nunca saem de moda: carne, queijo, frango com catupiry e palmito. Mas há também opções mais criativas, como o pastel de calabresa com muçarela e o irresistível pastel de brigadeiro com banana, que virou o queridinho da casa.

Mas o que poucos sabem é que a Pastelaria Brasileira da Pompeia já recebeu visitantes ilustres — e de fama internacional. Durante uma das passagens da banda Guns N’ Roses por São Paulo, toda a equipe do grupo americano teve a chance de experimentar os famosos pastéis da casa. A notícia se espalhou e virou motivo de orgulho para os proprietários e frequentadores. “Eles adoraram! Pediram pastel de carne e queijo, e elogiaram muito o sabor e a crocância”, conta um dos atendentes que testemunhou o momento.

O sucesso é tamanho que até aplicativos e influenciadores gastronômicos já visitaram o local, registrando o ambiente acolhedor, o atendimento rápido e o sabor inconfundível. No espaço simples, com balcão de inox e cheiro de pastel quentinho no ar, o que impera é o clima de bairro — aquele onde o dono conhece os clientes pelo nome e onde cada mordida desperta uma lembrança boa.

Além do pastel, a casa oferece também sucos naturais, caldo de cana e refrigerantes bem gelados, compondo o combo perfeito para quem busca uma refeição rápida e saborosa. Muitos clientes passam ali diariamente, seja no café da manhã, no almoço ou na tradicional pausa da tarde.

A Pastelaria Brasileira da Pompeia é mais do que um ponto de venda: é um símbolo da cultura paulistana, um pedacinho da cidade onde tradição e simplicidade se encontram. E, como prova de sua qualidade, nem mesmo o rock internacional resistiu ao sabor dos seus pastéis feitos na hora.

Serviço:

 Pastelaria Brasileira – Bairro da Pompeia, São Paulo – SP

 Aberta todos os dias, das 9h às 22h

 Pastéis feitos na hora, caldo de cana e atendimento tradicional

 Já serviu até a equipe da banda Guns N’ Roses!

Outra Gigante do Brasil: BR-116 — Desafios, Perigos e Melhorias

Entre serras, vales e cidades que nunca dormem, corta o coração do Brasil uma das mais longas e importantes rodovias do país: a BR-116. São mais de 4.500 quilômetros de asfalto, ligando o Nordeste ao Sul, do Ceará ao Rio Grande do Sul, atravessando 10 estados e ligando capitais como Fortaleza, Salvador, Rio de Janeiro, Curitiba e Porto Alegre. É uma verdadeira espinha dorsal do transporte rodoviário brasileiro — essencial para o escoamento de cargas e o deslocamento de milhões de pessoas.

O desafio de cruzar o Brasil por terra

Viajar pela BR-116 é mergulhar em diferentes realidades. Há trechos modernos, duplicados e bem sinalizados, mas também extensões antigas, estreitas e perigosas, onde o tempo parece ter parado. O fluxo intenso de caminhões, a mistura de trânsito urbano com tráfego pesado e a falta de manutenção em alguns pontos transformam essa rodovia em um verdadeiro teste de paciência e atenção.

A BR-116 concentra uma das maiores quantidades de acidentes do país. Isso não é surpresa: com tanto movimento e com variações extremas de relevo e clima, qualquer descuido pode ser fatal.

O trecho mais perigoso

Entre os vários segmentos que compõem essa imensa estrada, o mais temido por motoristas é a Régis Bittencourt, que liga São Paulo a Curitiba. Por décadas, esse trecho ganhou o apelido de “Rodovia da Morte”, especialmente na região da Serra do Cafezal, onde curvas fechadas, aclives e descidas sinuosas eram palco de incontáveis tragédias.

Outro ponto crítico é a Serra das Araras, entre o Rio de Janeiro e Volta Redonda, também famosa pelos altos índices de acidentes graves. A combinação de pistas antigas, alto fluxo de veículos pesados e condições climáticas adversas torna esses trechos especialmente perigosos, principalmente à noite ou sob chuva forte.

As melhorias que mudaram o jogo

Nos últimos anos, grandes obras começaram a mudar a cara da BR-116. O trecho da Serra do Cafezal, por exemplo, foi totalmente duplicado, recebendo túneis, viadutos e novas sinalizações. O resultado foi uma redução significativa no número de acidentes e uma melhora visível no fluxo.

Trechos sob concessão privada, como a Via Dutra (entre São Paulo e Rio de Janeiro), receberam investimentos em pavimentação, iluminação e monitoramento por câmeras, além de atendimento rápido em caso de acidentes — um avanço que salvou muitas vidas.

O DNIT (Departamento Nacional de Infraestrutura de Transportes) também vem entregando melhorias em regiões do Sul e do Nordeste, com duplicações, recapeamentos e construção de passarelas, além de projetos de drenagem e segurança nas encostas.

O que ainda precisa mudar

Apesar das melhorias, a BR-116 ainda enfrenta desafios que exigem atenção constante:

Trechos de pista simples, que forçam ultrapassagens perigosas.

Buracos e falhas de pavimento em regiões de clima extremo.

Sinalização precária em áreas remotas.

Falta de pontos de apoio e socorro rápido, o que agrava as consequências de acidentes.

Travessias urbanas perigosas, onde a rodovia cruza cidades sem passarelas ou redutores de velocidade.

Esses fatores mostram que o trabalho está longe de terminar. A BR-116 é tão extensa que seu estado de conservação varia drasticamente de um trecho para outro — reflexo de investimentos desiguais e da complexidade de administrar uma estrada que corta o país de ponta a ponta.

Uma estrada que move o Brasil

Mais do que uma simples rodovia, a BR-116 é um símbolo da integração nacional. Por ela passam caminhões carregados de alimentos, combustíveis, materiais de construção e produtos industrializados. Também é o caminho de famílias, trabalhadores e viajantes que dependem dela para chegar ao destino.

Com as obras recentes e o aumento da fiscalização, a rodovia vem se tornando gradualmente mais segura, mas ainda há um longo caminho pela frente. A meta é clara: transformar a BR-116 em um corredor moderno, eficiente e humano, à altura da sua importância para o desenvolvimento do Brasil.

Conclusão

A BR-116 é mais do que uma estrada — é uma história em movimento.

Ela testemunhou tragédias, avanços e o esforço de um país inteiro para conectar seus extremos. Melhorar e preservar essa gigante é um desafio constante, mas essencial para o futuro do transporte e da segurança nas estradas brasileiras.

AYRTON SENNA – A LENDA QUE NUNCA MORREU

Poucos nomes no esporte mundial carregam tanta emoção e respeito quanto o de Ayrton Senna da Silva. Nascido em São Paulo, em 21 de março de 1960, Senna mostrou desde cedo uma conexão quase mágica com a velocidade. Ainda criança, aos quatro anos, ganhou de seu pai um pequeno kart, e ali começou a trajetória daquele que se tornaria um dos maiores pilotos da história da Fórmula 1.

O INÍCIO DE UM GÊNIO

Ayrton começou no kart aos 13 anos, e logo demonstrou um talento impressionante. Sua pilotagem agressiva e ao mesmo tempo precisa chamava atenção em todas as corridas. Nos anos 80, já na Europa, conquistou campeonatos em categorias de base e abriu caminho para o grande sonho: a Fórmula 1.

Sua estreia aconteceu em 1984, pela equipe Toleman. Logo em sua primeira temporada, Senna mostrou ao mundo do que era capaz. Sob chuva torrencial no Grande Prêmio de Mônaco, ultrapassou carros muito mais potentes e quase venceu a corrida, terminando em segundo lugar. Foi o nascimento do mito.

O DOMÍNIO NA FÓRMULA 1

Em 1985, Senna foi para a Lotus e conquistou suas primeiras vitórias. Mas o auge veio com a McLaren, entre 1988 e 1993. Ao lado de Alain Prost, protagonizou uma das maiores rivalidades da história do automobilismo. Senna era puro instinto, emoção, velocidade e fé — um piloto que parecia guiar não apenas com as mãos, mas com a alma.

Em 1988, conquistou seu primeiro título mundial, e ainda levaria mais dois, em 1990 e 1991, tornando-se tricampeão. Era admirado por sua técnica impecável em pistas molhadas, sua coragem nas ultrapassagens e a dedicação quase espiritual ao esporte. Fora das pistas, era um homem de fé, reservado e profundamente patriota, que emocionava o Brasil ao fazer o hino nacional ecoar em cada vitória.

O TRÁGICO 1º DE MAIO DE 1994

O mundo parou no Grande Prêmio de San Marino, em Ímola, na Itália. Naquele fim de semana fatídico, a Fórmula 1 viveu um dos momentos mais sombrios de sua história. Após um grave acidente de Rubens Barrichello e a morte do austríaco Roland Ratzenberger nos treinos, o clima era de apreensão.

No domingo, 1º de maio, logo na sétima volta da corrida, Senna perdeu o controle de sua Williams na curva Tamburello. O impacto foi devastador. O Brasil chorou, o mundo se calou. Aos 34 anos, Ayrton Senna deixava a vida, mas nascia uma lenda.

O LEGADO ETERNO

Mais do que um piloto, Senna se tornou símbolo de determinação, fé e superação. Seu legado vai muito além das pistas. Após sua morte, foi criada o Instituto Ayrton Senna, que até hoje transforma a educação de milhões de crianças brasileiras.

Ayrton Senna foi, e continuará sendo, um exemplo de excelência e paixão. Sua bandeira verde e amarela tremulando após cada vitória ainda vive na memória dos brasileiros.

Porque heróis verdadeiros não morrem — apenas aceleram para a eternidade.

Regininha Poltergeist — Beleza, Fama e a Colheita do Tempo

Houve um tempo em que o nome Regininha Poltergeist era sinônimo de beleza, ousadia e sucesso. Nos anos 1990, ela era presença constante nas telas, capas de revistas e programas de televisão. Com seu rosto marcante e atitude provocante, conquistou o público e se tornou um verdadeiro ícone da sensualidade brasileira. Para quem tem mais de 40 anos, é impossível esquecer o impacto que essa mulher causou em uma geração.

Mas, como acontece com todos nós, o tempo passou. E ele não perdoa — cobra, transforma, amadurece. A vida de Regininha também mudou. As luzes da fama se apagaram aos poucos, os convites diminuíram, e a rotina glamourosa deu lugar aos desafios de quem precisa se reinventar para continuar de pé. A ex-estrela, que um dia viveu os holofotes intensamente, passou por momentos difíceis e teve de encarar a dura realidade de uma vida longe do brilho da televisão.

A história de Regininha é, acima de tudo, um retrato real do que é o tempo: justo, implacável e inevitável. Ele nos mostra que toda beleza é passageira, que o sucesso é temporário e que o essencial está naquilo que construímos dentro de nós — e não apenas no que o espelho reflete.

Hoje, Regininha luta para manter o equilíbrio, resgatando sua força e buscando novos caminhos. Sua trajetória deve servir de reflexão, especialmente para as novas gerações que acreditam que a fama e a aparência são tudo. O brilho da juventude é forte, mas o tempo sempre chega, e quando ele chega, a vida cobra o que foi plantado.

Quantas pessoas estão realmente semeando o que desejam colher amanhã? A beleza se vai, o dinheiro se esvai, mas o caráter, a sabedoria e as boas escolhas permanecem. Regininha Poltergeist, com sua história marcada por altos e baixos, mostra que a verdadeira grandeza está em continuar, mesmo quando o palco escurece.

No fim das contas, a lição é clara: o sucesso é passageiro, mas a dignidade é eterna. Que o exemplo dela inspire todos nós a plantar, enquanto há tempo, as sementes certas — as que florescem mesmo quando as luzes se apagam.

Red Hot Chili Peppers: o som que atravessa gerações

Da rebeldia dos anos 80 à maturidade do palco — uma história de energia, emoção e guitarras inesquecíveis

Desde as ruas quentes de Los Angeles, no início dos anos 1980, surgiu uma banda que uniu funk, rock e alma californiana como ninguém havia feito antes. O Red Hot Chili Peppers nasceu da amizade entre Anthony Kiedis, Flea, Hillel Slovak e Jack Irons, quatro jovens que transformaram a mistura de estilos e atitudes em uma identidade musical única.

O grupo começou com uma energia quase caótica, marcada por apresentações incendiárias e uma irreverência que conquistou o público alternativo. Mas o sucesso mundial viria nos anos 90, com o álbum “Blood Sugar Sex Magik” (1991), que trouxe hinos eternos como “Under the Bridge” e “Give It Away”. Foi o momento em que o Red Hot deixou de ser apenas uma banda de garagem e se tornou um fenômeno global.

Entre altos e baixos, a chama nunca se apagou

Como toda grande história do rock, o caminho dos Chili Peppers não foi fácil. A perda de Hillel Slovak, em 1988, abalou profundamente o grupo. Mas a entrada do guitarrista John Frusciante trouxe uma nova fase criativa — e com ela vieram álbuns que definiram uma geração.

Nos anos 2000, a banda alcançou o auge com “Californication”, “By the Way” e “Stadium Arcadium”, obras que misturaram maturidade e emoção, sem perder o espírito livre que sempre os acompanhou. Músicas como “Scar Tissue”, “Otherside” e “Dani California” se tornaram trilhas sonoras da vida de milhões de fãs ao redor do mundo.

Mesmo com idas e vindas, mudanças de formação e novos experimentos, o Red Hot Chili Peppers continua no topo. Em 2022, o retorno de Frusciante reacendeu a magia — e os shows recentes comprovam que a banda mantém o mesmo vigor de décadas atrás.

Uma banda que envelhece bem — como o bom rock deve ser

Hoje, os Chili Peppers são mais que uma banda: são uma instituição da música moderna. Suas letras misturam poesia urbana, reflexões sobre amor, dor e liberdade, enquanto o som continua a vibrar entre baixos pulsantes, guitarras viajantes e a voz inconfundível de Anthony Kiedis.

Quase quarenta anos depois, o Red Hot Chili Peppers segue encantando novas gerações — provando que o verdadeiro rock não envelhece, apenas muda o ritmo, mas nunca perde o fogo.

Pink Floyd – A Origem de uma Revolução Musical

A gênese de uma lenda sonora

Na Londres dos anos 1960, em meio à efervescência cultural e política que transformava o mundo, surgia uma das bandas mais inovadoras da história da música: Pink Floyd. Mais do que um grupo de rock, o Pink Floyd se tornou um símbolo de experimentação, rebeldia e profundidade artística. Sua origem está intimamente ligada ao movimento psicodélico britânico e ao desejo de romper com os padrões sonoros convencionais da época.

Tudo começou em 1965, quando um grupo de estudantes de arquitetura da Regent Street Polytechnic decidiu formar uma banda. Roger Waters, Nick Mason e Richard Wright tocavam juntos em pequenos eventos universitários, interpretando clássicos do rhythm and blues. Pouco tempo depois, juntou-se a eles o carismático Syd Barrett, guitarrista e vocalista vindo de Cambridge, que seria o verdadeiro catalisador da transformação do grupo. Com ele, nasceu o nome “Pink Floyd”, uma homenagem a dois músicos de blues norte-americanos: Pink Anderson e Floyd Council.

O som psicodélico e a liderança de Syd Barrett

Syd Barrett foi o grande cérebro por trás da primeira fase do Pink Floyd. Sua mente criativa, porém instável, levou a banda a explorar sons experimentais, letras enigmáticas e efeitos de estúdio inéditos até então. O álbum de estreia, “The Piper at the Gates of Dawn” (1967), é considerado um marco do rock psicodélico. Nele, o ouvinte é transportado para um universo de sonhos, cores e delírios mentais — reflexo do próprio estado emocional de Barrett.

Contudo, o sucesso e o uso excessivo de drogas psicodélicas cobraram seu preço. Syd começou a apresentar comportamentos erráticos, esquecendo letras e se desconectando da realidade. Para manter a banda ativa, os integrantes convidaram David Gilmour, amigo de infância de Barrett, para assumir a guitarra e dividir os vocais. Com o tempo, Barrett se afastou completamente, e o Pink Floyd iniciou uma nova era.

Do caos à perfeição conceitual

Com Roger Waters assumindo o papel de principal compositor, o Pink Floyd evoluiu de banda psicodélica para criadores de álbuns conceituais, que misturavam filosofia, crítica social e som de vanguarda. Obras como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) e “The Wall” (1979) definiram o auge criativo do grupo. O uso inovador de sintetizadores, gravações em estéreo, efeitos sonoros e arranjos grandiosos tornou-se marca registrada.

A banda não apenas fez música — construiu experiências sonoras e visuais. Seus shows eram verdadeiros espetáculos multimídia, com projeções, luzes, e estruturas gigantescas, refletindo as mensagens profundas de alienação, guerra, poder e solidão humana.

O legado eterno

O Pink Floyd se tornou uma das bandas mais influentes e bem-sucedidas de todos os tempos, com mais de 250 milhões de álbuns vendidos no mundo. Mesmo após divergências internas e a saída de Waters nos anos 1980, o nome continuou a ecoar. O grupo voltou a se reunir esporadicamente, e cada membro trilhou caminhos próprios, mas a marca Pink Floyd permaneceu sinônimo de arte e introspecção.

A origem do Pink Floyd é, portanto, a história de jovens inquietos que, ao desafiar as fronteiras da música, criaram uma linguagem própria. Mais do que um som, eles ofereceram ao mundo uma viagem pela mente humana — uma jornada entre o real e o imaginário, onde cada acorde convida à reflexão.

“O Pink Floyd não apenas tocava música. Eles faziam o ouvinte pensar, sonhar e, acima de tudo, sentir.”

Kapitão: o sabor incomparável de João Pessoa

No coração de João Pessoa, capital paraibana que encanta por suas praias, cultura e hospitalidade, existe um restaurante que vem conquistando moradores e turistas pelo paladar e pela experiência gastronômica diferenciada: o Restaurante Kapitão. Localizado em um ponto estratégico da cidade, o Kapitão é o destino ideal para quem busca boa comida, ambiente agradável e aquele toque especial que transforma uma refeição em um momento inesquecível.

O joelho de porco que virou referência

Entre os diversos pratos do cardápio, um se destaca e ganhou fama por todo o estado: o joelho de porco do Kapitão. Preparado com maestria, o prato é um verdadeiro espetáculo de sabor e textura. O corte é cozido lentamente, temperado com ervas e especiarias que ressaltam o sabor natural da carne, e finalizado até atingir o ponto perfeito — macio por dentro e levemente crocante por fora.

Servido acompanhado de batatas douradas, chucrute e molho especial da casa, o joelho de porco é o grande protagonista das mesas do restaurante. Muitos clientes afirmam que é “o melhor da Paraíba” e, para muitos, um dos melhores do Nordeste. O aroma, a apresentação impecável e o sabor marcante tornam o prato uma experiência que vai muito além da gastronomia — é uma celebração de tradições e boa mesa.

Ambiente acolhedor e clima de confraternização

O Kapitão combina o rústico e o moderno com elegância. O ambiente é aconchegante, com decoração que remete às tabernas europeias, sem perder o toque nordestino. As mesas amplas, a iluminação suave e o atendimento cordial criam o cenário perfeito para reunir amigos, celebrar momentos especiais ou simplesmente aproveitar um jantar tranquilo à beira-mar.

Além da comida de excelência, o restaurante também é conhecido por sua carta de cervejas artesanais e importadas, que harmonizam perfeitamente com o joelho de porco e outros pratos da casa. A cada gole e a cada garfada, o visitante é levado a uma viagem sensorial única, que combina sabor, tradição e prazer.

Mais do que um restaurante, uma experiência

O Kapitão não é apenas um ponto gastronômico — é um símbolo de qualidade e autenticidade em João Pessoa. Seja no almoço de domingo em família, num jantar a dois ou em um encontro entre amigos, o local oferece o equilíbrio perfeito entre boa comida, ótimo atendimento e um ambiente que convida a ficar.

Quem visita o Kapitão sai com uma certeza: o sabor do joelho de porco mais perfeito da cidade fica na memória e dá vontade de voltar.

Dica da Revista Mídia Direta

Reserve sua mesa e viva essa experiência! O Kapitão é parada obrigatória para quem ama gastronomia e quer descobrir o que João Pessoa tem de melhor.

 Endereço: Avenida Fernando Luiz Henrique Dos Santos
Jardim Oceania,
João Pessoa, Paraíba
58037-050 Brasil

 Horário de funcionamento: 11:00 as 22:00

 Instagram: @kapitaorestaurante

Mandiopã – O primeiro salgadinho do Brasil

A invenção de um clássico brasileiro

Antes das grandes marcas de snacks dominarem as prateleiras, existia um petisco simples, crocante e irresistível que conquistou o paladar dos brasileiros: o Mandiopã — ou Mandiopan, como também ficou conhecido. Feito à base de fécula de mandioca, ele é considerado o primeiro salgadinho de saquinho fabricado em escala no Brasil.

Sua história começa em Limeira, no interior de São Paulo, durante a década de 1950. A Indústria Alimentícia Mandiopã transformou uma receita artesanal, usada em festas e celebrações, em um produto inovador para sua época. O grande diferencial estava na experiência de preparo: o salgadinho vinha cru, em pequenas lâminas translúcidas, e só ganhava vida ao ser mergulhado no óleo quente, onde inflava imediatamente, tornando-se leve e crocante. Era diversão, sabor e praticidade em um só produto — algo totalmente novo para as famílias brasileiras do período.

Entre os nomes marcantes dessa trajetória está o de Antônio Gomercindo, que começou como funcionário da fábrica ainda jovem, em 1954. Ele se tornou o principal responsável pela preparação da massa e guardião do segredo industrial — um conhecimento que fazia toda a diferença no resultado final do Mandiopã.

Durante os anos 1960 e 1970, o produto se popularizou por todo o país, ganhando embalagens coloridas e sabores variados, como camarão, queijo e bacon. Em um Brasil que se modernizava rapidamente, o Mandiopã se consolidou como um símbolo do consumo popular — barato, saboroso e com um toque de afeto nas refeições do dia a dia.

Da queda ao renascimento: a nostalgia que voltou

Com a chegada dos salgadinhos extrusados — já prontos para consumo, com novos formatos e sabores — o Mandiopã perdeu espaço nas prateleiras. Mudanças na indústria alimentícia levaram à queda da marca, que passou até por mudança de nome, tornando-se Fritopan em determinado período. A alteração, porém, não conquistou o público fiel. A memória afetiva estava ligada ao nome, ao ritual, ao estalo no óleo quente e ao aroma que se espalhava pela cozinha.

Por pouco, o primeiro salgadinho do Brasil não desapareceu por completo. Mas a tradição falou mais alto. A nostalgia de quem cresceu com o produto e o interesse crescente por receitas clássicas brasileiras trouxeram o Mandiopã de volta ao cenário gastronômico.

Hoje, o petisco é valorizado como patrimônio alimentar, reconhecido por seu papel histórico e por sua ligação com a mandioca — ingrediente profundamente enraizado na cultura nacional. Chefs o têm utilizado em pratos criativos, enquanto famílias reencontram o sabor que marcou gerações.

O Mandiopã é mais do que um salgadinho: é uma lembrança crocante do Brasil que cresceu, transformou-se e nunca esqueceu suas raízes. Um clássico que prova que tradição e simplicidade têm lugar garantido no futuro — especialmente quando despertam boas histórias na primeira mordida.

Tragédia no Atlântico: O voo AF447 e as lições que mudaram a aviação

Em 1º de junho de 2009, o mundo acordou com uma notícia devastadora: um Airbus A330 da Air France, operando o voo AF447, havia desaparecido dos radares no meio do Atlântico. A aeronave havia decolado na noite anterior do Rio de Janeiro rumo a Paris, com 228 pessoas a bordo — nenhuma sobreviveu.

A queda do voo AF447 tornou-se uma das maiores tragédias da história da aviação moderna e mobilizou um dos mais complexos esforços internacionais de busca e investigação já realizados. Durante dias, marinheiros, aeronaves militares e navios vasculharam o oceano em busca de qualquer vestígio da aeronave. Apenas após duas semanas, os primeiros destroços surgiram boiando nas águas profundas do Atlântico.

Entre as vítimas, estavam passageiros de 32 nacionalidades — brasileiros, franceses e profissionais de diversas áreas. Também estavam a bordo três pilotos experientes, revezando o comando durante o voo noturno que cruzava zonas de turbulência conhecidas pelos fortes sistemas meteorológicos tropicais.

A tragédia expôs a angústia da espera: famílias buscavam respostas, enquanto especialistas evitavam especulações. Com a ausência das caixas-pretas, localizar as causas do acidente parecia um desafio quase impossível, já que o fundo do oceano, na região da queda, ultrapassava os 4 mil metros de profundidade.

A investigação oficial liderada pelo BEA (Birô Francês de Investigação e Análise) levou quase três anos e só foi concluída após a recuperação dos gravadores de voo em 2011. O relatório final trouxe revelações que mudaram protocolos de segurança globalmente.

O estudo apontou que sensores externos conhecidos como pitot, responsáveis pela medição de velocidade, congelaram ao atravessar uma área com fortes formações de gelo, provocando perda momentânea das indicações de velocidade. Isso desativou o piloto automático e exigiu ação manual da tripulação.

Sem dados confiáveis e diante de alertas constantes, os pilotos assumiram o controle, porém adotaram comandos incorretos. A aeronave entrou em stall — perda de sustentação aerodinâmica — e continuou a cair durante mais de três minutos, até atingir o oceano.

A combinação entre falhas técnicas e erros humanos gerou uma reflexão profunda na aviação mundial. Após o acidente, sensores do tipo pitot foram modificados, treinamentos foram reformulados e novos protocolos foram estabelecidos para aprimorar a atuação em situações extremas. O AF447 tornou-se um marco de mudança.

A dor das famílias permanece — e os debates sobre segurança na aviação continuam evoluindo. Porém, a tragédia que marcou 2009 também impulsionou melhorias que, desde então, ajudam a proteger milhões de passageiros que voam todos os dias ao redor do mundo.