CHRIS ISAAK NO BRASIL: O DONO DE “WICKED GAME” DESEMBARCA EM SÃO PAULO PARA UMA NOITE HISTÓRICA

 Pela primeira vez no país, o cantor norte-americano será uma das grandes atrações do Best of Blues and Rock 2026, em uma edição que também reúne Roger Daltrey, Kingfish Ingram, Artur Menezes e Eddie Vedder

UMA ESTREIA ESPERADA

Há músicas que atravessam gerações. “Wicked Game”, lançada originalmente no final dos anos 1980 e posteriormente transformada em um dos maiores sucessos da carreira de Chris Isaak, é uma delas. Com seu clima melancólico, guitarra hipnótica e a interpretação marcante do cantor norte-americano, a canção conquistou o mundo e ajudou a transformar Isaak em um dos grandes nomes da música pop, rock e blues contemporânea.

Agora, os fãs brasileiros finalmente terão a oportunidade de assistir ao artista ao vivo.

Chris Isaak fará seu primeiro show no Brasil em 21 de novembro de 2026, em São Paulo, como uma das principais atrações da 13ª edição do Best of Blues and Rock. O festival será realizado na área externa do Auditório Ibirapuera, dentro do Parque Ibirapuera, um dos espaços mais emblemáticos da capital paulista.

A apresentação promete ser um dos momentos mais aguardados do festival. Afinal, não se trata apenas da chegada de um grande cantor internacional ao país, mas da oportunidade de presenciar ao vivo um artista cuja identidade musical permanece praticamente intacta ao longo de décadas.

Isaak construiu uma carreira baseada em uma combinação sofisticada de rock, blues, country, soul e referências da música norte-americana dos anos 1950 e 1960. Sua voz grave e elegante, aliada às guitarras com forte influência do rockabilly, tornou-se uma de suas marcas registradas.

E, naturalmente, “Wicked Game” estará no centro das expectativas.

A canção ganhou enorme popularidade ao longo dos anos e passou a fazer parte da cultura pop mundial. Seu videoclipe, com estética cinematográfica e imagens em preto e branco, também ajudou a consolidar a atmosfera sensual e nostálgica que acompanha a música até hoje.

Mas reduzir Chris Isaak a apenas um hit seria injusto.

Ao longo de sua trajetória, o músico acumulou álbuns, turnês internacionais e uma coleção de canções que mostram sua capacidade de transitar entre o rock clássico, o blues e as baladas românticas. Seu estilo visual, inspirado em ícones do passado, também contribuiu para criar uma persona artística única.

UMA NOITE DE GRANDES NOMES

O sábado, 21 de novembro, terá um line-up especialmente poderoso.

Além de Chris Isaak, o público poderá assistir a Roger Daltrey, lendário vocalista do The Who. A presença do cantor britânico coloca no mesmo palco duas gerações e diferentes vertentes do rock internacional.

Também estará na programação o norte-americano Christone “Kingfish” Ingram, um dos nomes mais celebrados da nova geração do blues. Dono de uma técnica impressionante na guitarra e de uma voz poderosa, Kingfish representa a continuidade de uma tradição musical que encontra no blues sua principal raiz.

Completando a programação do sábado está o brasileiro Artur Menezes, guitarrista e cantor que vem conquistando espaço no cenário internacional do blues.

É justamente essa mistura de gerações, estilos e nacionalidades que faz do Best of Blues and Rock um dos eventos mais interessantes do calendário musical brasileiro.

De um lado, artistas consagrados mundialmente. Do outro, músicos que representam a renovação do blues e do rock.

E, no centro dessa combinação, a estreia brasileira de Chris Isaak.

UMA VIAGEM PELO ROCK, BLUES E ROMANCE

Para entender a importância da estreia de Chris Isaak no Brasil, é preciso olhar para a construção de sua carreira.

Nascido nos Estados Unidos, Isaak desenvolveu uma sonoridade que parece ter sido retirada de outra época. Enquanto muitos artistas buscavam acompanhar as transformações da indústria musical, ele encontrou sua própria identidade justamente ao revisitar elementos do passado.

Guitarras com eco, vocais profundos, arranjos minimalistas e uma atmosfera cinematográfica se transformaram em sua assinatura.

“Wicked Game” talvez seja a síntese perfeita dessa fórmula.

A música possui uma estrutura relativamente simples, mas sua força está justamente na interpretação. A guitarra cria uma sensação quase hipnótica, enquanto a voz de Isaak conduz o ouvinte por uma narrativa marcada pelo desejo, pela dúvida e pela vulnerabilidade.

O resultado foi uma canção que ultrapassou as fronteiras do rock e passou a frequentar filmes, séries, comerciais e inúmeras versões feitas por outros artistas.

Mais de três décadas depois, “Wicked Game” continua reconhecível desde os primeiros acordes.

O PALCO DO IBIRAPUERA

A escolha do Parque Ibirapuera para receber o festival acrescenta ainda mais personalidade ao evento.

Localizado no coração de São Paulo, o espaço é conhecido por receber grandes manifestações culturais e musicais. A área externa do Auditório Ibirapuera será transformada em palco para três dias de apresentações.

O festival acontece entre 20 e 22 de novembro de 2026, reunindo nomes importantes do blues e do rock internacional.

Além da programação do sábado, o evento terá Eddie Vedder, vocalista do Pearl Jam, como um dos grandes destaques dos outros dias.

A programação reforça a proposta de reunir artistas que ajudaram a escrever diferentes capítulos da história do rock e do blues, ao mesmo tempo em que abre espaço para novos representantes desses gêneros.

Para o público brasileiro, será uma oportunidade rara de assistir a uma programação internacional de grande porte sem abrir mão da diversidade musical.

UMA ESTREIA QUE CHEGA COM HISTÓRIA

Chris Isaak chega ao Brasil não como um artista em busca de apresentação, mas como um músico que já possui uma história construída com o público brasileiro — mesmo sem nunca ter subido a um palco no país.

Durante décadas, suas músicas circularam por rádios, programas de televisão, filmes e plataformas digitais. “Wicked Game”, principalmente, criou uma conexão que atravessou gerações.

Por isso, quando as primeiras notas da música ecoarem no Parque Ibirapuera, a sensação provavelmente será de reconhecimento imediato.

Será um daqueles momentos em que uma música conhecida deixa de pertencer apenas aos discos, aos vídeos e aos fones de ouvido para ganhar uma dimensão completamente diferente: a experiência de ser executada ao vivo diante de milhares de pessoas.

E essa é justamente a magia de um grande festival.

No dia 21 de novembro de 2026, São Paulo será o ponto de encontro entre o rock clássico, o blues contemporâneo e uma das vozes mais singulares da música norte-americana.

Chris Isaak finalmente estará no Brasil.

E, para muitos fãs, será a oportunidade de transformar uma velha paixão musical em uma lembrança para a vida inteira.

SERVIÇO

Evento: Best of Blues and Rock — 13ª edição

Data do show de Chris Isaak: 21 de novembro de 2026, sábado

Local: Área externa do Auditório Ibirapuera — Parque Ibirapuera, São Paulo

Atrações do dia: Chris Isaak, Roger Daltrey, Christone “Kingfish” Ingram e Artur Menezes

Festival: 20, 21 e 22 de novembro de 2026

Destaque dos outros dias: Eddie Vedder

Ingressos: vendas oficiais pela plataforma Ticketmaster Brasil

The Lady in Red: a canção que nos ensina a enxergar novamente quem amamos

 Por trás de uma das baladas mais românticas dos anos 80, existe uma reflexão sobre o amor, a rotina e a capacidade de continuar se encantando pela mesma pessoa.

A MULHER DE VERMELHO

Poucas canções conseguem atravessar décadas mantendo intacta a capacidade de emocionar. “The Lady in Red”, de Chris de Burgh, é uma delas. Lançada em 1986, a música rapidamente se transformou em um dos maiores clássicos românticos dos anos 1980 e passou a fazer parte da memória afetiva de diferentes gerações.

Com uma melodia delicada e uma interpretação carregada de emoção, Chris de Burgh cantava sobre uma mulher que, naquela noite, parecia especialmente encantadora. O detalhe aparentemente simples — ela estar vestindo vermelho — acabou se tornando uma das imagens mais marcantes da música romântica.

Mas a história por trás da canção é muito mais profunda.

A inspiração veio da própria esposa do cantor, Diane. E o que Chris procurou registrar não foi apenas a beleza de uma mulher usando um determinado vestido. A verdadeira inspiração estava naquele instante em que alguém percebe que, mesmo depois de muitos anos de relacionamento, ainda é possível olhar para a pessoa amada e sentir aquele encantamento dos primeiros tempos.

A música nasceu de uma reflexão sobre a rotina.

Quando duas pessoas passam muitos anos juntas, a convivência pode transformar o extraordinário em algo aparentemente comum. O rosto que antes era novidade passa a fazer parte da paisagem cotidiana. Os gestos deixam de surpreender. A presença da pessoa amada se torna tão familiar que, muitas vezes, esquecemos justamente o motivo pelo qual nos apaixonamos por ela.

E é nesse ponto que “The Lady in Red” ganha uma dimensão especial.

A canção fala sobre voltar a olhar.

Não necessariamente porque a pessoa mudou, mas porque nós deixamos de observá-la com a mesma atenção.

Chris de Burgh transformou esse sentimento em uma declaração de amor. Em vez de falar sobre uma paixão que está começando, ele retrata o instante em que alguém percebe que aquela paixão ainda está ali — escondida sob anos de convivência, compromissos, preocupações e rotina.

É uma canção sobre redescoberta.

Sobre perceber que, às vezes, não precisamos encontrar alguém novo para sentir novamente aquele frio na barriga.

Precisamos apenas aprender a olhar de novo para quem já está ao nosso lado.

UMA CANÇÃO SOBRE O TEMPO

O sucesso de “The Lady in Red” também pode ser explicado pela simplicidade de sua mensagem. Não há uma grande história de separação, uma tragédia ou um amor impossível.

Existe apenas um homem olhando para a mulher que ama e percebendo sua beleza.

E talvez seja justamente isso que torna a música tão universal.

Porque, em algum momento, muitos relacionamentos enfrentam o mesmo desafio: continuar enxergando a pessoa, e não apenas a rotina construída ao redor dela.

O vermelho do vestido é apenas o detalhe. O verdadeiro tema da música é o olhar.

QUANDO O AMOR VOLTA A SER NOVO

Existe uma diferença entre estar ao lado de alguém e realmente enxergar alguém.

Com o passar dos anos, a vida cria hábitos. Há horários, contas, responsabilidades, compromissos, preocupações e pequenas tarefas que ocupam espaço na relação. O cotidiano é inevitável — mas ele também pode fazer com que deixemos de prestar atenção em detalhes que um dia nos encantaram.

“The Lady in Red” funciona justamente como uma espécie de lembrete romântico.

A pessoa que está ao nosso lado continua sendo aquela mesma pessoa por quem nos apaixonamos. Mas nós precisamos, de tempos em tempos, interromper a velocidade da vida para perceber isso.

É como se Chris de Burgh dissesse: olhe novamente.

Olhe para aquele sorriso.

Para aquele jeito de falar.

Para aquela maneira de andar.

Para o olhar que talvez você tenha visto milhares de vezes, mas que continua sendo único.

O vestido vermelho se torna, então, uma metáfora para esse momento de redescoberta. Naquela noite, a mulher não era necessariamente outra. O que mudou foi a maneira como ele a enxergou.

E talvez exista aí uma das mais bonitas definições de amor duradouro.

Amar não significa permanecer eternamente diante da novidade. Significa ser capaz de encontrar novidade naquilo que já conhecemos.

O CLÁSSICO QUE ATRAVESSOU GERAÇÕES

Lançada em 1986, “The Lady in Red” conquistou o público internacional e se consolidou como uma das músicas mais associadas ao romantismo daquela década.

Seu sucesso ultrapassou o período em que foi lançada. Décadas depois, a canção continua aparecendo em casamentos, declarações de amor, encontros românticos e playlists dedicadas às grandes baladas.

Isso acontece porque a mensagem não envelheceu.

A tecnologia mudou. Os relacionamentos mudaram. Os costumes mudaram. Mas uma coisa continua profundamente humana: o desejo de ser visto por quem amamos.

Talvez seja por isso que tantas pessoas ainda se emocionem quando ouvem os primeiros acordes da música.

Porque, por trás da mulher de vermelho, existe uma história que todos conhecemos.

É a história de alguém que, em meio à rotina, finalmente para por alguns segundos e percebe:

“Eu ainda consigo me encantar por você.”

MAIS DO QUE UMA BALADA ROMÂNTICA

“The Lady in Red” não fala apenas sobre beleza.

Fala sobre atenção.

Não fala apenas sobre paixão.

Fala sobre permanência.

Não fala somente sobre uma mulher usando vermelho.

Fala sobre a capacidade de reencontrar, dentro de uma relação longa, aquele sentimento que parecia pertencer apenas ao começo.

E talvez seja justamente essa a razão de sua permanência na memória popular.

Porque todos nós queremos, em algum momento, ser olhados como se fosse a primeira vez.

E todos nós, talvez, precisemos aprender a fazer o mesmo.

The Lady in Red — Chris de Burgh, 1986.

Uma música sobre uma mulher.

Uma música sobre um vestido.

Mas, acima de tudo, uma música sobre algo muito maior:

voltar a enxergar quem sempre esteve ao nosso lado.

DOLLY PARTON: UMA ESTRELA QUE NUNCA DEIXOU DE BRILHAR

 A voz, o sorriso e as canções que transformaram uma menina pobre do Tennessee em uma das maiores lendas da música mundial

Por mais de seis décadas, Dolly Parton construiu muito mais do que uma carreira musical. Construiu uma história. Uma história de superação, talento, inteligência, humor e generosidade. Nesta terça-feira, 25 de agosto de 2026, o mundo se despediu da artista aos 80 anos.

Dolly Rebecca Parton nasceu em janeiro de 1946, no Tennessee, em uma família numerosa e de poucos recursos. Cresceu nas montanhas dos Apalaches, em um ambiente simples, onde a música fazia parte do cotidiano.

Foi justamente dessa infância que surgiram algumas das histórias que mais tarde transformaria em canções.

Dolly começou muito cedo. Aos 13 anos, já havia se apresentado no rádio e no lendário Grand Ole Opry, em Nashville. Poucos anos depois, assinaria seu primeiro contrato com uma gravadora.

O que poderia ter sido apenas mais uma trajetória no universo country acabou se transformando em um fenômeno internacional.

A família confirmou sua morte nesta terça-feira, em Nashville. O anúncio foi feito por seu sobrinho Bryan Seaver, em uma mensagem publicada nas redes sociais da artista. 

Dolly Parton tinha 80 anos.

E deixa para trás uma das histórias mais extraordinárias da música americana.

DE UMA CASA HUMILDE PARA O MUNDO

Dolly nunca escondeu suas origens.

Pelo contrário: transformou sua infância humilde em uma das principais fontes de inspiração de sua obra.

As dificuldades econômicas da família, a vida nas montanhas e as relações familiares aparecem repetidamente em suas composições. Sua capacidade de transformar experiências pessoais em histórias universais foi uma das características que fizeram dela uma compositora tão especial.

Ao longo da carreira, escreveu milhares de músicas e criou personagens, situações e sentimentos que ultrapassaram as fronteiras do country.

Entre suas obras mais conhecidas estão “Jolene”, “9 to 5”, “Coat of Many Colors” e “I Will Always Love You”.

Esta última ganhou uma nova dimensão mundial quando foi gravada por Whitney Houston para o filme The Bodyguard, tornando-se um dos maiores sucessos da música popular.

A composição, porém, era de Dolly.

Essa talvez seja uma das melhores maneiras de compreender sua importância: Dolly não era apenas uma cantora que interpretava grandes músicas.

Ela era uma compositora extraordinária.

Ao longo de sua carreira, vendeu mais de 100 milhões de discos e acumulou 11 prêmios Grammy, incluindo uma homenagem pelo conjunto da obra. 

“JOLENE”, “9 TO 5” E UMA VOZ INCONFUNDÍVEL

Existe algo curioso na carreira de Dolly Parton.

Ela conseguia cantar sobre assuntos extremamente diferentes sem perder sua identidade.

“Jolene” é uma história de ciúme, insegurança e medo de perder alguém amado.

“Coat of Many Colors” transforma uma lembrança da infância em uma reflexão sobre pobreza, família e dignidade.

“9 to 5” tornou-se um verdadeiro hino para trabalhadores e mulheres, além de dar nome ao filme de 1980 que também marcou sua carreira como atriz.

Dolly tinha uma habilidade rara para transformar histórias simples em grandes canções.

Sua voz também era imediatamente reconhecível.

Aguda, delicada e ao mesmo tempo poderosa, tinha uma personalidade que não podia ser confundida.

Mas talvez o maior segredo de sua longevidade tenha sido outro: Dolly sabia contar histórias.

E sabia fazer o público acreditar nelas.

MUITO ALÉM DA MÚSICA

Dolly Parton não se limitou aos palcos.

Ela também construiu uma carreira cinematográfica de sucesso.

O filme “9 to 5”, lançado em 1980, levou Dolly para o cinema ao lado de Jane Fonda e Lily Tomlin. Depois vieram outros trabalhos importantes, como The Best Little Whorehouse in Texas e Steel Magnolias.

Também se tornou empresária.

Um dos maiores símbolos de sua visão empresarial foi a criação do Dollywood, parque temático localizado no Tennessee que se transformou em uma importante atração turística da região.

Dolly conseguiu fazer algo que poucas celebridades conseguem: transformar seu próprio nome em uma marca sem perder a personalidade que a tornou famosa.

Ela continuava sendo Dolly.

Com os cabelos enormes, roupas brilhantes, humor autodepreciativo e aquele sorriso característico.

Mas por trás da imagem extravagante havia uma empresária extremamente inteligente.

UMA ARTISTA QUE TAMBÉM QUIS MUDAR VIDAS

Talvez uma das partes mais importantes da história de Dolly Parton não esteja em nenhuma parada musical.

Está nos livros.

Em 1995, ela criou a Dolly Parton’s Imagination Library, programa de incentivo à leitura infantil que distribui livros gratuitamente para crianças.

A iniciativa nasceu de uma lembrança pessoal: Dolly queria oferecer às crianças oportunidades que muitas vezes não existiam em sua própria infância.

O projeto cresceu enormemente e se tornou uma das marcas mais importantes de seu trabalho filantrópico.

Sua atuação social também alcançou outras áreas.

Dolly apoiou pesquisas médicas, projetos educacionais e diversas iniciativas comunitárias. Durante a pandemia de Covid-19, seu nome também ficou associado ao financiamento de pesquisas que contribuíram para o desenvolvimento da vacina da Moderna. 

Foi uma demonstração de que sua influência não estava limitada à indústria do entretenimento.

O ÚLTIMO CAPÍTULO

A notícia da morte chega poucos dias depois de Dolly ter falado publicamente sobre sua saúde.

Recentemente, a cantora contou que vinha enfrentando problemas como tontura e desidratação e que havia sido orientada por seu médico a reduzir suas atividades e viagens naquele período. 

Mesmo diante dessas dificuldades, Dolly continuava falando sobre trabalho e novos projetos.

Essa disposição ajuda a explicar uma característica que acompanhou toda a sua trajetória: ela nunca pareceu disposta a parar.

Durante décadas, continuou compondo, gravando, atuando, administrando seus negócios e desenvolvendo projetos sociais.

Aos 80 anos, ainda tinha planos.

E talvez essa seja uma das maiores marcas de sua personalidade.

O FIM DE UMA ERA

Dolly Parton pertence àquela rara categoria de artistas que conseguem atravessar gerações.

Pais conheceram suas músicas.

Filhos cresceram ouvindo suas canções.

Netos descobriram sua voz através de novas versões e plataformas digitais.

Sua imagem ultrapassou o country e chegou ao pop, ao cinema, à televisão, à literatura e aos negócios.

Ela também conseguiu algo ainda mais difícil: ser uma celebridade mundial sem perder a conexão com suas origens.

Dolly nunca teve vergonha de falar sobre pobreza.

Nunca abandonou o Tennessee.

Nunca tentou esconder a mulher que existia antes da fama.

Ao contrário.

Ela transformou suas origens em combustível para sua carreira.

Sua história também ganhou um significado especial porque Dolly conseguiu transformar vulnerabilidade em força.

A menina pobre das montanhas tornou-se uma das mulheres mais reconhecidas dos Estados Unidos.

A cantora country virou estrela internacional.

A compositora tornou-se referência.

A empresária criou um império.

E a celebridade utilizou sua fama para incentivar milhões de crianças a ler.

“I WILL ALWAYS LOVE YOU”

A morte de Dolly Parton encerra uma trajetória de aproximadamente sete décadas, mas não encerra sua presença.

Suas músicas continuarão sendo gravadas.

Seus filmes continuarão sendo exibidos.

Seus livros continuarão chegando às crianças.

E sua voz continuará atravessando gerações.

Dolly Parton não foi apenas uma estrela da música country.

Ela foi uma personagem única da cultura mundial.

Uma mulher que saiu de uma pequena comunidade do Tennessee e chegou aos maiores palcos do planeta.

Uma compositora que escreveu histórias sobre amor, ciúme, trabalho, pobreza, família e esperança.

Uma artista que conseguiu transformar sua própria vida em inspiração para milhões de pessoas.

E, acima de tudo, alguém que descobriu muito cedo que o talento podia abrir portas — mas que era preciso coragem, trabalho e generosidade para atravessá-las.

Nesta terça-feira, o mundo perdeu Dolly Parton.

Mas suas canções ficaram.

E algumas vozes simplesmente não desaparecem.

**Dolly Parton se foi aos 80 anos.

Mas, como diz uma de suas canções mais eternas, seu amor — e sua música — permanecerão para sempre.**

AS ARCADAS

 O endereço onde o Direito ajudou a construir o Brasil

No coração de São Paulo, um edifício guarda quase dois séculos de histórias, debates, personagens e movimentos que atravessaram a vida política e cultural do país. Conheça o prédio histórico da Faculdade de Direito da USP, no Largo São Francisco.

UM PRÉDIO, MUITAS HISTÓRIAS

No centro histórico de São Paulo, entre o movimento intenso das ruas e os arranha-céus que transformaram a paisagem da cidade, existe um endereço que parece pertencer a outra época. No Largo São Francisco, o prédio histórico da Faculdade de Direito da Universidade de São Paulo, conhecido carinhosamente como Arcadas, é muito mais do que uma construção histórica: é um dos grandes símbolos da formação intelectual, jurídica e política do Brasil.

A história da instituição começou em 11 de agosto de 1827, quando Dom Pedro I sancionou a lei que criou os Cursos Jurídicos no Brasil, em São Paulo e Olinda. Em São Paulo, a Academia foi instalada no antigo Convento de São Francisco, onde permaneceu por mais de um século.

Foi naquele ambiente que gerações de estudantes passaram a discutir não apenas Direito, mas também política, literatura, filosofia, cultura e os grandes dilemas nacionais. A Faculdade rapidamente se transformou em um dos principais centros de formação das elites intelectuais e administrativas do país.

Com o passar do tempo, porém, o antigo convento já não conseguia atender às necessidades da instituição. Na década de 1930, o local passou por uma profunda transformação. O projeto do novo edifício foi assumido pelo engenheiro-arquiteto português Ricardo Severo, sucessor de Ramos de Azevedo, que concebeu uma construção moderna para sua época, mas profundamente inspirada na tradição arquitetônica luso-brasileira.

O resultado foi uma das mais importantes expressões do chamado estilo neocolonial em São Paulo. Curvas, contracurvas, elementos barrocos, colunas, ornamentações e referências à arquitetura colonial foram incorporados ao novo prédio, criando uma ligação visual entre o presente e a memória do antigo convento.

As obras mais intensas ocorreram ao longo da década de 1930. Em 1935, grande parte da antiga construção foi demolida, incluindo a fachada e as antigas Arcadas. Mas justamente aquilo que dava identidade à Academia não desapareceu.

As arcadas foram reconstruídas, preservando a forma e a proporção das antigas estruturas. A diferença é que a nova construção utilizou concreto armado, substituindo a antiga taipa.

E foi assim que o nome “Arcadas” permaneceu associado à Faculdade.

O pátio central tornou-se um dos espaços mais emblemáticos da instituição. Ali, estudantes e professores protagonizaram discussões que ultrapassaram os limites da universidade e alcançaram a sociedade brasileira.

Ao longo de quase dois séculos, a Faculdade esteve ligada a importantes movimentos políticos e sociais. Segundo a própria instituição, de suas fileiras participaram personagens e movimentos ligados ao Abolicionismo, ao Republicanismo e à campanha das Diretas Já, entre diversos outros momentos decisivos da história nacional.

Não por acaso, caminhar pelas Arcadas é também caminhar por uma parte significativa da história política brasileira.

MEMÓRIA, CULTURA E RESISTÊNCIA

Mais do que suas paredes históricas, o prédio do Largo São Francisco conserva uma coleção de objetos, espaços e símbolos que ajudam a contar a trajetória da instituição.

Um dos elementos mais conhecidos é o túmulo de Julio Frank, localizado no pátio da Faculdade. Frank, alemão e professor do antigo Curso Anexo, tornou-se uma das figuras cercadas de histórias e mistérios na tradição das Arcadas. Seu túmulo foi preservado durante a reconstrução do edifício e permanece como um dos pontos mais curiosos do complexo.

Outro tesouro é a Biblioteca da Faculdade de Direito, cuja história é ainda mais antiga que a própria Academia. Suas origens remontam aos acervos reunidos pelos franciscanos e, em 1825, foi criada no Largo São Francisco aquela que é reconhecida como a primeira biblioteca pública de São Paulo. Com a criação dos Cursos Jurídicos, o acervo passou a acompanhar a trajetória da Academia.

Atualmente, a biblioteca é uma das referências brasileiras em documentação jurídica e pode também ser utilizada pelo público em geral para consulta. Em 2025, completou 200 anos de história.

O prédio também guarda vitrais, obras de arte, esculturas, pinturas, mobiliário histórico e ambientes que ajudam a reconstruir diferentes períodos da vida brasileira. Entre eles estão o Salão Nobre, a Sala da Congregação e espaços que homenageiam antigos professores e personalidades ligadas à instituição.

Os vitrais da escadaria, produzidos pela tradicional Casa Conrado Sorgenicht, também fazem parte desse patrimônio artístico. O conjunto arquitetônico foi pensado não apenas como uma sede universitária, mas como uma espécie de memorial permanente da cultura e da história paulista e brasileira.

UM PALCO DA DEMOCRACIA

Poucos endereços brasileiros conseguem reunir, no mesmo espaço, tamanha concentração de memória política.

Das Arcadas partiram discussões, discursos e movimentos que ajudaram a moldar diferentes momentos da República. A própria Faculdade destaca a participação de seus estudantes e egressos em movimentos como o Abolicionismo, o Republicanismo e, décadas mais tarde, as Diretas Já.

Em 1934, outro capítulo importante foi escrito: a Faculdade de Direito foi uma das primeiras instituições a integrar a recém-criada Universidade de São Paulo, e seu professor Reynaldo Porchat tornou-se o primeiro reitor da universidade.

O prédio também atravessou períodos de grande tensão política, incluindo a Revolução Constitucionalista de 1932, a criação da USP, a Constituição de 1934 e o Estado Novo.

Por tudo isso, as Arcadas não podem ser vistas apenas como um monumento arquitetônico. Elas são um espaço vivo da memória brasileira.

PATRIMÔNIO PARA AS FUTURAS GERAÇÕES

O edifício histórico da Faculdade de Direito é atualmente tombado pelos órgãos de preservação do patrimônio histórico municipal e estadual. O tombamento estadual pelo Condephaat ocorreu em 2002.

Localizado no Largo São Francisco, nº 95, no centro de São Paulo, o complexo continua ligado ao ensino, à pesquisa, à cultura e à preservação da memória.

Entre seus corredores, salas, vitrais, biblioteca e pátios, permanece uma história que começou no Império e atravessou a República.

As Arcadas sobreviveram às transformações da cidade, às mudanças políticas e às diferentes gerações de estudantes.

E talvez essa seja sua maior força: continuar sendo um lugar onde o passado não está apenas exposto — ele continua dialogando com o presente.

Largo São Francisco. Faculdade de Direito da USP. Arcadas.

Um endereço onde arquitetura, conhecimento, política e memória se encontram há quase 200 anos.

Fiat Stilo Abarth: o hatch italiano que tinha cinco cilindros na alma

 UM ABARTH DIFERENTE DE TUDO

Conforto de hatch, espírito esportivo e um motor que ninguém esquece

Existem carros esportivos que impressionam pela potência, outros pelo visual. E existem aqueles que conquistam justamente por serem diferentes. O Fiat Stilo Abarth pertence a essa última categoria. Lançado no Brasil no início dos anos 2000, o hatch italiano combinava características que, à primeira vista, pareciam pertencer a mundos diferentes: espaço e conforto para o uso cotidiano, acabamento sofisticado, tecnologia embarcada e, debaixo do capô, um motor de cinco cilindros capaz de produzir um dos sons mais interessantes já ouvidos em um Fiat vendido por aqui.

A receita começava pelo próprio Stilo. O hatch tinha desenho moderno para sua época, linhas arredondadas e uma personalidade tipicamente italiana. Mas a versão Abarth acrescentava uma dose extra de esportividade, transformando um carro familiar em algo muito mais especial.

O grande protagonista, porém, estava escondido no cofre.

Era um 2.4 20V de cinco cilindros, integrante da família de motores conhecida por sua arquitetura peculiar e pelo funcionamento suave. Com aproximadamente 167 cv, o conjunto não precisava de números absurdos para chamar atenção. Bastava girar o motor e ouvir o ronco metálico e encorpado dos cinco cilindros para entender que aquele não era um hatch comum.

E talvez essa seja a maior característica do Stilo Abarth: ele não precisava parecer um superesportivo para entregar uma experiência diferente.

O charme dos cinco cilindros

Em uma época em que a indústria caminhava cada vez mais para motores de quatro cilindros, o Stilo Abarth seguia uma receita menos convencional. O quinto cilindro proporcionava uma sonoridade característica, com uma mistura de suavidade e agressividade que dificilmente passa despercebida para quem gosta de automóveis.

Ao acelerar, o motor cresce de maneira progressiva e entrega uma sensação muito particular. Não é apenas questão de desempenho. É personalidade.

O Abarth também contava com suspensão recalibrada, rodas maiores e elementos visuais que reforçavam sua proposta esportiva. O interior mantinha a vocação confortável do Stilo, mas apresentava detalhes que lembravam ao motorista que havia algo diferente acontecendo.

Era possível viajar com conforto durante a semana e, no fim de semana, escolher uma estrada sinuosa para aproveitar melhor o conjunto.

Essa dualidade ajudou a transformar o Stilo Abarth em um carro cultuado por um grupo específico de entusiastas.

Um Fiat com DNA de competição

A palavra Abarth carrega um peso enorme na história da indústria automobilística italiana. A marca fundada por Carlo Abarth ficou conhecida por preparar Fiat e outros modelos, especialmente para competições e versões de alto desempenho.

Por isso, vestir o Stilo com o escorpião da Abarth não era apenas uma questão estética. Era uma forma de conectar aquele hatch familiar a uma tradição italiana construída em pistas, ralis e estradas.

Embora o Stilo Abarth brasileiro não seja um carro de competição disfarçado para as ruas, ele carregava justamente essa filosofia: transformar um modelo convencional em uma máquina com mais personalidade.

E conseguiu.

UM CLÁSSICO MODERNO EM BUSCA DE RECONHECIMENTO

O carro que passou despercebido e ganhou uma segunda vida entre os entusiastas

Durante muitos anos, o Stilo Abarth ficou em uma espécie de limbo. Não era exatamente um carro popular, tampouco alcançou o status imediato de esportivo clássico. O mercado de usados tratou o modelo durante bastante tempo como apenas mais um hatch antigo.

Mas os apaixonados por automóveis começaram a enxergar aquilo que os números de mercado não conseguiam explicar.

Um motor 2.4 de cinco cilindros, câmbio manual, acabamento diferenciado, bom nível de equipamentos e uma personalidade que praticamente desapareceu dos carros modernos.

É justamente essa combinação que faz o Stilo Abarth despertar cada vez mais curiosidade.

Tecnologia para a época

O Stilo também ficou conhecido pela quantidade de equipamentos disponíveis. Dependendo da configuração e dos opcionais, o modelo podia oferecer recursos que eram considerados sofisticados no começo dos anos 2000.

O interior tinha desenho moderno, bom espaço e uma posição de dirigir que agradava tanto no trânsito urbano quanto em viagens.

Esse excesso de tecnologia, entretanto, também se tornou um dos pontos que exigem atenção atualmente. Comprar um Stilo Abarth usado não significa apenas procurar o carro mais bonito ou com o menor preço.

É fundamental analisar histórico de manutenção, estado do motor, câmbio, suspensão, sistema elétrico, ar-condicionado e todos os equipamentos eletrônicos.

Um exemplar bem cuidado pode proporcionar uma experiência deliciosa. Um carro negligenciado, por outro lado, pode transformar a compra em uma sucessão de gastos.

O mercado de usados

Hoje, o Stilo Abarth ocupa uma posição curiosa no mercado. Ele não tem a mesma procura de esportivos mais famosos, mas justamente por isso ainda pode ser encontrado por valores que parecem interessantes diante do que oferece.

E existe um detalhe importante: bons exemplares estão ficando cada vez mais difíceis de encontrar.

Carros originais, com manutenção documentada, interior preservado e mecânica em ordem tendem a chamar mais atenção dos colecionadores e entusiastas.

O futuro pode reservar ao Stilo Abarth uma valorização semelhante à observada em outros modelos que, durante anos, foram considerados apenas carros usados.

O som que ficou na memória

Mais do que números, o Stilo Abarth é lembrado por uma experiência.

É entrar no carro, girar a chave, ouvir o cinco cilindros ganhar vida e perceber que existe algo diferente ali.

Em um mercado atual dominado por motores menores, turboalimentados e cada vez mais silenciosos, a personalidade mecânica de um propulsor de cinco cilindros ganha ainda mais valor.

O Stilo Abarth representa uma época em que as montadoras ainda se permitiam fazer escolhas pouco convencionais. Um hatch relativamente confortável podia receber um motor grande, cinco cilindros, câmbio manual e o famoso emblema do escorpião.

Não precisava ser o carro mais rápido da rua.

Não precisava ter números impressionantes.

Precisava apenas ser diferente.

Um italiano que merece ser lembrado

O Fiat Stilo Abarth talvez nunca tenha recebido, em sua época, todo o reconhecimento que merecia. Mas o tempo costuma fazer justiça a automóveis especiais.

Hoje, ele representa uma combinação cada vez mais rara: um hatch europeu confortável, com personalidade esportiva, câmbio manual e um motor aspirado de cinco cilindros.

Para quem gosta de carros, isso já é motivo suficiente para olhar duas vezes quando um aparece na rua.

O Stilo Abarth não é apenas mais um Fiat antigo.

É uma lembrança de quando a indústria automobilística ainda conseguia transformar um hatch em algo verdadeiramente apaixonante.

E o ronco dos cinco cilindros continua sendo sua melhor assinatura.